Y si importa el arte

Y SI, el arte si importa. Y al arte hay que desmenuzarlo. Como una cebolla. Hasta no encontrar nada. Porque eso suelen decir, en el arte no hay nada. Nada que alimente el estómago. Como si únicamente alimentando el estómago podemos vivir. Estamos hoy en día saturados de la idea de sobrevivencia. Sobrevive el YO humano, con sus genes, sus organismos y sus estructuras. Se apresura a atesorar sus granos y sus líquidos. Se concentra en sobrevivir, comer y reproducirse. Aún sin explicarse exactamente que és lo que está haciendo en este mundo. Y menos sin saber que és este mundo. Se concentra en mantener a su plebe. Y trata de asegurarse una vida digna, modesta y cómoda.  Por eso el Arte queda siempre marginado en elementos alternos a la sobrevivencia. Tanto el artista como el observador, coleccionista, crítico, vendedor  y el analista. Y nada queda. Muere el observador, muere el coleccionista, muere el artista, muere el observador y ¿quien sobrevive?: El arte. Ese mismo acto que dejó imágenes intelegibles en la cuevas, en las pirámides, en los lienzos, en las estelas, en los papiros y hoy en día, en montañas, fotografías y el colectivo imaginario con el que todos viven diciendo que el arte. Por eso es que el arte si importa. Aunque a nadie le importe. Como la misma idea de dios. No importa lo que digan, piensen discutan y hagan. Ahí va a estar, totalmente invulnerable a cualquier tipo de anulación y destrucción. Ahí esta porque nada tiene que ver con lo que pensamos que somos y creemos que estamos haciendo.

El arte se reproduce como un virus mutante utilizando nuestros organismos humanos de huesped y seguir avanzando através del tiempo y de la misma inutilidad de la existencia. A veces se muta en terribles y asquerosas manifestaciones y otras se arma de artilugios, verborreas y palabrerías para mostrarnos una cara ilusoria de “cosa bonita” adormeciendo las profundidades del pensamiento humano.

Hay dos mundos que conviven a diario en nuestra realidad manifiesta:

Una tiene que ver con lo que creemos que realmente esta sucediendo. Con lo que a diario esta manifestándose a traves de los sentidos. Es esa realidad que duele, que atormenta o que nos endulza la vida y nos hace creer en las esperanzas de cada día. Es la realida del cuerpo y sus sentidos, la realidad de los genes sobrevivientes y su busqueda de movimiento continuo.

La otra realidad esta fuera de control nuestro y a lo lejos, lejanamente, se expresa a traves de nuestros intentos por comunicar lo incomunicable. Entonces salen las manifestaciones simbólicas estéticas y análogas de lo que se puede ver en la obra de arte. El arte no es un fín. Es una consecuencia. Atrás de ello está lo mismo que está detrás de la vida misma.

En ese lugar que ocupa la muerte.

Aunque la Cultura se vista de Seda…

Sin cultura una sociedad esta destinada al fracaso. La no cultura implica la animalización  del ser humano (¿cultura?). Su propia deshumanización. Cuando el ser humano pierde la necesidad de sensibilizarse ante su propia existencia, ante su propio entorno, ante su realidad física y metafísica, empieza a retroceder en su desarrollo integral (¿?). Y una sociedad llena de seres humanos de este tipo es una sociedad pobre. Pobre y salvaje. Nómada en los ámbitos de la civilización. Entrópica por su anulación como ente de reacción y dinamica ante el principio caotico del universo. Una sociedad sin cultura nace desnutrida. Enferma. Sin futuro. Y quizás los pocos anticuerpos que aun le puedan quedar, son aquellos que deben de rescatarse y multiplicarse para que entonces podamos buscar la forma de sanarla y volverla algo. Algo que tenga razón de ser o de valer.

 

 No quisiera pensar y menos afirmar que vivimos en una sociedad de ese tipo aquí en Guatemala.  Mucho de cultura se hace hoy en día. Los pensamientos se han abierto además. Las herramientas de comunicación son un antibiótico  estratégico y, sobre todo, el impulso que las distintas disciplinas expresivas toman me hacen pensar que esos pocos anticuerpos que tiene Guatemala pueden multiplicarse. Crecer. Pero también para crecer tienen que aprender a contagiar. Y el contagio es quizás lo que aun estamos lejos de lograr. Lejos de contagia al ciudadano común. Al  elemento promedio de la sociedad.

 

Un ejemplo de esta pobreza se puede ver en la oferta literaria. Ante el ¡bomm! inmobiliario que se ha mostrado en la construcción de los Megacentros comerciales (o ¿Ghettos comerciales?) en toda la ciudad, apenas y con suerte podemos contar con una librería (la cual por lo general siempre es la misma) entre toda la supracantidad de locales de ropa, comida y demás consumos promedio que inundan estas construcciones. Ver tal panorama solo hace pensar  en el refrán que dice Mona que se viste de seda mona siempre se queda. Y así, muy bien vestiditos los guatemaltecos y bien alimentados con ropa de marca y franquicias extrafashions muy monos quedan de vista y de cerebro. Muy bonitas construcciones, muy bonitas las boutiques, muy bonitos los acuarios pero todo se dá para cubrir la enajenación completa, total y aburrida que absorbe a todos los mismos consumistas a quienes va dirigido este aparato flashtanmagórico. Guatemala crece sin huesos. Se convierte poco a poco en un elemento bofo que puede ser pinchado con una aguja. Por que crece de aire. Aire y contaminación. Contaminación que va desde todos los ámbitos. Contaminación de paradigmas, multiculturalipajas, ideosinpalabrismos, egoismos, excentricetismos, superficialipenas  y tanta estupidez institucionalizada que poco a poco ese muñecón llamado sociedad crece y crece lleno de errores, traumas y complejos que lo transforman en esa masa informe que se devora urbanamente preocupada en estar segura, parecer exitosa y verse a salvo de todo aquello que lo toque, lo amenace y  le ponga en peligro su realidad de mona bien vestidita. Con ganas eso si de tirar la cáscara de banano sin que nadie se de cuenta… y es que no sabe usar un basurero.

Una Mirada al Sur

El patio trasero del harte

 Si latinoamèrica ha sido llamada ironicamente el patio trasero de los USA debido a su imagen enclicherada de subdesarrollo, oportunismo polìtico, mediocridad, estrechez, pobreza de pensamiento y otros etc similares, creo que la exposiciòn Una mirada al Sur, presentada en el Centro de la Cooperacion Española, lo ha sabido reflejar perfectamente, aunque involuntariamente (lastimosamente), por la pobreza de contenido, estrechez de calidad y mediocridad de curaciòn de las obras ahi mostradas. De nuevo el arte contemporaneo, alternativo y conceptual hace de las suyas. Y hago la aclaraciòn de que no es por el hecho de ser arte contemporaneo ni nada de eso. Es por sus autores… o mas bien por las obras. Observè la exposiciòn el pasado fin de semana y por mucho que me esforcè en apreciarla y solo eso, apreciarla, una pregunta recurrìa a mi mente continuamente: ¿A quièn creen estos hartistas que se dirigen? ¿A los curadores? ¿A su ego? ¿a sus cuates? ¿A quièn? Por que a excepciòn de un par de obras dudo mucho que alguna de las ahì mostradas pudiera comunicar algo y menos comunicar acerca del tema nuclear de la exposiciòn. Si el arte no comunica entonces para que sirve. ¿Que es? El problema se vuelve mas crìtico cuando se abusa del lenguaje y de la informaciòn en las cèdulas tècnicas que explican cada una de las obras. Idealmente la obra no deberìa ser explicada, sin embargo cuando se hace necesario, al menos no debe resultar la explicaciòn en una farsa como muchas de las fichas tècnicas lo mostraron en esta exposiciòn. El colmo de todo estuvo en la instalaciòn compuesta de redes y porterìas sobre un campo de tierra. Aunado al muy mal caracter compositivo, simbòlico, comunicativo y cualitativo de la obra, estaba el completo divorcio entre la explicaciòn e intenciòn del autor (esto escrito en la cèdula tècnica) y el resultado final y la percepciòn del observador. De la misma forma resultaron otras obras como los muñecos rotos y decosidos, los poporopos regados (que bien pudo llamar mi atenciòn hasta que leì la cèdula tècnica y desvirtuò totalmente el resultado) el video de una carcel domèstica (creo haber visto algo similar en el Discovery Channel) y otro par de videos que, volviendo al punto de este artìculo, no dicen, no hablan, no mueven, no afectan, no explican, no son congruentes, no tienen mensaje y estan vacìos. Y eso los vuelve inùtiles como objetos expresivos. O como muchos dicen que es, obras de harte. Leì las cèdulas tècnicas de las obras y me sentì burlado. Primero por su ambiguo contenido, lleno de palabras llamativas e intelectuales. Segundo por que no tienen relaciòn congruente y directa con lo que se muestra. Pareciera que las cèdulas tècnicas cumplen un papel de malogrado plan B, por aquello de que no se entienda la obra, pues solo empeoran las cosas y terminan por quitar el ùltimo vestigio de honestidad que pudiera tener la obra. Aconsejarìa a cualquier artista o expresador, que no sirve de nada tratar de parecer inteligente hablando cosas complejas, rebuscadas, sociofilometalològicas y pluripajerolinguìsticas. No aporta y solo desmerita. Asi no se lleva mensaje a nadie ni se comunica nada y el fin del arte, no lo olvidemos, es la comunicacion por medio de la expresion. Y sobre todo, si se aborda un tema de este tipo, la orientaciòn del mismo debe ser mucho mas puntualizada en cuanto al mètodo y la forma a fin de lograr afectar.

Basta ya de Vanguardias

 

Hoy parece ser que el artista estudia para ser vanguardista. Cuando en su momento la vanguardia fue un resultado, una consecuencia y un hecho involuntario a nivel cultural, ahora es el fin que pareciera perseguir el artista. El artista aspira a ser vanguardista. Como si en la escuela les enseñan a adoptar el lema de: “ …si ya se hizo antes, entonces no sirve”.  Cuando se visitan las exposiciones de arte hoy en dìa (sobre todo si se trata de exposiciones colectivas y conceptuales) se puede apreciar una desenfrenada competencia por parecer cada vez mas originales. ¿Originales a qué? es lo que me pregunto cuando veo obras que rayan entre lo fantàstico y lo pueril. El artista o el expresador debe descartar la idea o el paradigma  de que el arte o la calidad del arte tiene que ver con la originalidad o con la creatividad o con el sinfìn de elementos que lo vuelven un objeto de deseo pero totalmente vacìo e inùtil.  El arte no es provocar, no es innovar, no es revolucionar, no es protestar, no es contradecir, no es atacar, no es proponer. NO. Eso no es arte. Y quizas a los estudiantes de arte deberian ante todo ponerles repetirse y grabarse 1000 veces: Si soy artista NO debo provocar. Si soy artista NO debo revolucionar. Si soy artista NO debo contradecir y etc, etc. Esto por que serìa un medio muy efectivo de desintoxicar el arte de hoy en dìa. Airearlo un poco, como cuando se airea un cuarto que durante años no ha abierto las ventanas. El arte no tiene nada que ver con “Vanguardias”. Y menos cuando esta palabrita sale de boca de crìticos, curadores y analistas de arte. Ahì se vuelve una cancioncita hipòcrita y oportunista. El arte no tiene nada que ver con la vanguardia, con lo nuevo, con lo original etc. ¿Y entonces con que tiene que ver?. Con la comunicaciòn y punto. Si estudiamos el tèrmino comunicaciòn, entonces podemos darnos la idea de hacia donde va el arte. Si yo quiero comunicar algo (esto debido al deseo expresivo del artista) busco una herramienta, aprendo a usar la herramienta y llevo a cabo la comunicaciòn de lo que deseo expresar. Si el resultado es una obra de pintura, escultura, intervencion urbana, teatro, performance, literatura, etc, no importa. Lo importante es que la conjugaciòn exacta entre expresiòn,  medio y comunicaciòn se dèn para que el mensaje llegue. Llegue y afecte. Cuando afecta se vuelve efectivo. Entonces logra llegar al observador, que es el otro extremo del hilo de la comunicaciòn. Sin embargo el valor esencial y primigenio està en el contenido de lo comunicado. Es decir: el mensaje. El resto del proceso forma parte de la capacidad del artista de conjugar los elementos tècnicos, contextuales y mediàticos. Todo lo contrario sucede cuando el artista quiere provocar, revolucionar, protestar, innovar, ser original, parecer creativo, y todos los demas wannabes artìsticos existentes  y, luego de idear la forma de hacerlo, empieza a pensar en lo que quiere decir. Es darle vuelta de cabeza a la expresiòn. Esto ùltimo es lo que normalmente se vè. Artistas que no tienen absolutamente nada que decir. Pero cuentan con toda la furia y la energìa de expresar. ¿Expresar que? No hay nada que decir. No tienen nada que decir. Y cuando no hay nada que decir, cuando existe un vacìo expresivo en el autor, solo queda la opciòn de llamar la atenciòn. De ser ambicioso en el proselitismo artìstico. De gritar, estallar, patalear y berrinchear. Berrinchear hasta que alguien les ponga atenciòn.

Yo le aconsejo al artista que si no tiene nada que decir, mejor se abstenga de hacerlo. Que se tome su tiempo. Que se dedique a aprender. A estudiar. A generar un criterio. A crecer profesionalmente. A llenarse. A tener algo que decir. Le ahorra la decepciòn al pùblico de oir puras vanalidades y cantaletas absoletas.

Por eso es que pensar en las vanguardias como medio y fin, es resultado de sufrir de un vacìo expresivo. De ser pretensioso, ambicioso y provocador. Y el producto no pasarà de ser un producto efìmero e irrelevante en el historial expresivo y artìstico de una època, temporada o cultura. Existe una gran diferencia cuando un movimiento artìstico resulta siendo vanguardia en su època  a cuando grupos y artistas individuales compiten uno contra otro tratando de parecer cada uno, mas original, provocador y vanguardista que su competencia. En esto ùltimo no hay nada. Y dificilmente podrà salir algo bueno. Prefiero ver al artista que aprende a crear en solitario. Que evita intoxicarse. Que evita agremiarse en amalgamas alienadas. Que evita la moda artìstica. Que aprende por medio del desaprendizaje. Por que quizas en ese viaje en solitario por su mundo, exista algo que sì valga la pena decir contra toda esa bulla y pucheros berrinchudos que hacen los grupos y artistas de vanguardia que no dice nada. No aporta nada. Y no vienen de nada.

Valenti o el mito del artista romantico

 

A consecuencia de la muestra que se presenta en estos días de la obra de Valenti en el Salón Marco Augusto Quiroa en Casa Santo Domingo, los comentarios al respecto no se han dejado de oír. Puede apreciarse, cuando se mira desde una perspectiva objetiva, que la obra de Valenti despierta todo tipo de sentimientos que van desde la admiración neta a su obra física hasta los mas sublimes sentimientos referidos al Arte, al artista y a la vida del artista.  No puede negarse el valor de la obra de Valenti. Al menos de lo poco con que se cuenta. Y si bien es una obra que deleita en todas sus variantes técnicas y estilística, es importante considerar que también debe verse la misma como una protoobra de lo que quizás hubiera podido haber hecho si su vida no se hubiera cortado tempranamente. Si hubiera sido bueno o malo, eso queda en la gran interrogante. También indagar sobre ello es tan inútil como investigar los motivos reales de su muerte. Lo que hay de su arte es suficiente. Suficiente aunque tristemente poco revelador para querer explorarlo mas. Valenti tiene todos los ingredientes para resultar un ideario romántico digno de una novela de su misma época. Y eso es lo que creo a veces le pesa mas que su obra ante los ojos de muchos observadores.  La imagen del artista atormentado que busca en Paris la aventura del arte y sus consecuencias de vida, hacen que los demás elementos que inundaron y dan contexto a su obra, resulten de una exquisita mezcla para generar todo tipo  de valoración artística, humanística y sentimentalista sobre el. Y parte de esta exquisitez resulta en que dadas las mismas circunstancias de su vida (su muerte prematura específicamente) Valenti quedó inmerso en un limbo atemporal donde su obra simplemente fue y es libre de toda clasificación y categorización con lo que se hizo o se hacía en ese momento (gracias a Dios no fue victima del cubismo). Muchas vanguardias surgían a principios del siglo pasado, y no ser contaminado o influido por ellas sobre todo si se está en Paris, era casi imposible en el ambiente de la época. Valenti nos muestra en su obra a él mismo. No a idealizaciones del arte o la provocación de los sentidos por medio del mismo como muchos en su época buscaban hacer. Valenti era alguien que quería hacer arte. Alguien que quería pintar y punto. Obras sencillas, naturales y simples en temática que retrataban paisajes naturales, personas corrientes o personajes de alguna historia o novela imaginaria, hablaban claramente por su profundidad y fuerza en el estilo, libres de ideologías, pregonamientos y denuncias que solo hubieran logrado oscurecer la riqueza expresiva que dejó expresada en su legado. Aunque en muchos textos se habla de cierta inclinación de Carlos Valenti a los nuevos movimientos que se daban en Paris, es un descanso para la vena pura del arte notar muy poco de esa influencia en su obra.  Quizás no le dio tiempo. Quizás nunca lo hubiera hecho. Sin embargo, lo que se puede ver es una obra parada abruptamente pero lo suficientemente buena para causar aun el gusto de admirarla como quien admira los pocos manuscritos de un texto nunca terminado. La efímera existencia de Valenti y por ello la poca producción y evolución de su obra, no desmeritan en absoluto su legado artístico. Al contrario, lo mantienen en la total libertad que supone la misma inocencia del quehacer artístico. Valenti como el artista que nunca creció. Que murió antes de intoxicarse. Que dejó algo que en su aura artística sigue comunicándose a través de su excelente sencillez  y abrumadora profundidad.

Los gremios y conjuntos sociales suelen buscar como hito de referencia existencial, mitos y héroes a quienes recordar. Sin importar realmente sobre su realidad. Valenti pienso que es un caso de esos. Un héroe mítico creado a partir de fragmentos borrosos de una historia de vida y una dote de obra llena fuerza y voz que a la larga, es la misma que sigue gritando hoy en dia.

Un paseo por los Museos

 

Vale la pena agradecer proyectos como el Paseo de los Museos en Casa Santo Domingo. Con una variada muestra de obra representativa de distintas disciplinas de la colonia, la visita a las distintas galerías que conforman el conjunto de museos es un pequeño viaje lleno de simbolismos e historia que no deja otra cosa mas que una sensación enriquecedora. Este conjunto que fue proyectado en colaboración con la Universidad San Carlos de Guatemala, está compuesto de cinco museos que son el de Arte Precolombino y Vidrio Moderno, el Museo Arqueológico, el Museo de Farmacia, el Museo de Arte Colonial y el Museo de Artes y Artesanías Populares de Sacatepquez. Los museos se integran armoniosamente por el paseo entre las arquitectura revitalizada y restaurada del antiguo complejo arquitectónico de Santo Domingo. Asentar estos museos en una construcción con alto grado de simbolismo colonial permite resaltar la importancia histórica de toda la obra expuesta. Obras de Platería, de escultura religiosa, de Arqueología contrastada con arte moderno, de pintura colonial, de artesanías etc. hace rica y variada la muestra, dejando que el espectador se pierda por momentos en el espacio arquitectónico y la obra exhibida.

Pasear por Casa Santo Domingo de por si es una agradable experiencia. Su arquitectura secularmente integrada al los morfismos coloniales y barrocos, la riqueza creativa de la integración de los ambientes, el aprovechamiento de lo existente en ayuda a la función, son elementos que hacen de este complejo arquitectónico una obra rica en todo lo que la arquitectura debe suponer para el ser humano: la experiencia de habitación.  Los museos son pues ese condimento final que termina de sazonar esa experiencia de habitación y que mejor que dentro de todo un aura cultural como el que supone Antigua Guatemala.

Siempre que visito exposiciones en la Sala Marco Augusto Quiroa de Casa Santo Domingo, aprovecho por visitar de nuevo cualquiera de las galerías y deleitarme un poco de aquella obra que sin mas que su observación, permite encontrar un poco de nostalgia histórica a todo lo que aconteció y de lo que somos ahora espectadores indolentes. Esta ultima vez he vuelto a recorrer las galerías gracias a la exquisita muestra, de la que también agradezco mucho a quienes la llevaron a cabo, de Carlos Valenti. Me he deleitado con un poco de Platería, con otro poco de Vidrio y finalmente con ese museo tan lleno de objetos curiosos como puede ser el de farmacia. Esta demás decir que el postre final ha este paseo de fin de semana ha sido la muestra de Carlos Valenti. Artista que se me figura en mi ideario como un mito fantasioso. Una leyenda Urbana. Esa historia que se cuenta cuando se inician los primeros pasos del arte y se muestra como la clásica idea romántica del artista atormentado, misterioso y solitario.  A el vale dedicarle un espacio también.

Finalmente solo me cabe felicitar este pequeño centro de cultura. Y quizás a modo de sugerencia y atrevidamente, propondría la posibilidad de abrir una pequeña biblioteca de referencia relacionada a los temas expuestos. Esto a fin de completar el pequeño paseo colonial con un poco de libros y café.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Critica es Sana

Aunque duela mucho

 

Se crítica al político, se crítica al cocinero, a las instituciones, a los maestros. Se crítica al estadista, al economista e incluso al crítico. Se crítica a la Selección. Se crítica a todos. Sin embargo siempre existe una especie de satanización hacia el crítico de Arte. Sobre todo de parte de los creadores. Me he encontrado dentro del circulo artístico en Guatemala, con un férreo conservadurismo en el cual la crítica hacia la obra, he incluso este proyecto de ArtePancarta, es visto como una acción negativa para el desarrollo artístico. A nadie le gusta ser blanco de una crítica. Menos al artista. Puedo asegurar que la crítica es un derecho del público. Dentro del arte solo existen tres elementos. El artista, la obra y el observador. La falta de cualquiera de estos tres elementos inutiliza el arte. De estos tres elementos el juicio crítico viene del observador. De él y nada mas. (diferente será el juicio crítico del artista dentro de su proceso creativo). Una obra sin observador pierde sentido. Sin obra no hay crítica. Desde el momento en que el artista se presta a exponer su obra, da por sentada su autorización a la crítica. De lo contrario es mejor no exponerla al público y dejarla guardada en su taller. Sería totalmente injusto que el observador de la obra tuviera que callar su opinión por el simple hecho de no ser el artista y tragarse su percepción hacia lo que ve. La crítica es un derecho del público. Que se publique o no es decisión individual. Pero la libertad de decir lo que se piensa de la obra (así como el artista ha tenido la libertad de exponer su obra) es un derecho que permite la libre discusión del arte. He ahí un punto para la evolución de la actividad creativa. Y esto considerando que no importa de que tipo de crítica se trata. Si es negativa, positiva o constructiva. Al final de cuentas, ¿no es precisamente una especie de critica la que normalmente hace el artista al exponer su obra?.

 

Gracias a una discusión abierta sobre la percepción de la obra artística se evita una polarización sobre los criterios de juicio que dan valor a esta actividad en una sociedad. Es decir, muchos puntos de vista generan toda una estructura de percepción que evita la centralización del arte. Cuando menciono la crítica lo hago dentro de un esquema general. Desde cualquier variante del público. Desde aquel que dice me gusta o no me gusta, hasta los discursos demagógicos que muchas veces inundan los libros de tratados y análisis de arte. Todo es válido. Cada quien desde su lenguaje. Lo que no se puede hacer, y es ahí la importancia del valor de la discusión artística, es predisponer al publico e imponerle los juicios por medio de los cuales se deberá apreciar,  valorar o discutir sobre una obra de arte.

 

Es una lastima que de inicio no se inculque la educación sobre la apreciación artística en los niños. Es decir, enseñar a apreciar antes de dar por sentado a quienes hay que apreciar. Cuando se enseña que  Picasso, Kandinsky o Zipacna de León son referentes  estéticos del arte, se coarta de inicio la oportunidad de que el futuro observador lleve a cabo sus propios juicios de percepción de acuerdo a una base de criterios que ellos mismos,  libremente, fueran adquiriendo.  (de esto se hablara mas)

Finalmente, el valor crítico de una obra de arte queda únicamente en manos del artista y del espectador. Sea este último el director del MOMA o Juan de los Palotes.

La Galeria del Terror

La Galería del Terror

Caca de Elefante

 

La otra vez, visitando una exposición de escultura en el Museo de Arte Contemporáneo  Carlos Mérida vagué, como suelo hacerlo en ese lugar cuando hay exposiciones particulares, entre los pasillos y las distintas salas destinadas a obra permanente que representan de una u otra forma un recorrido histórico de artistas Guatemaltecos a lo largo del siglo XX. Fue entonces cuando me topé con lo que llamaría la Galería del Terror:  Un pasillo en forma de escuadra que mostraba obra de Quiroa, Margarita Azurdia, Zipacna de Leon, y Goyri entre otros;  y ante la pregunta sobre si la curaduría había obedecido a ese fin (es decir, imponer el terror)  no pude dejarme de asombrar ante tan sombrío espectáculo del arte plástico. Me pregunto: ¿Qué fin cumple ese tipo de obra como muestra y referente artístico de una cultura?  ¿Cómo es que ese tipo de obra puede llegar a ocupar los espacios de un Museo de Arte Contemporáneo? Razones seguramente existirán muchas. Razones ambiguas y parciales como todas aquellas que han servido para formar los últimos referentes del arte a nivel mundial. El Arte de hoy en día sufre  de una protagonitis imperante. Ese síndrome que se sufre cuando la obra vale mas por el nombre que por su esencia intrínseca.

 

Esta obra de la que hago mención, únicamente se ha ganado su lugar en el museo por el peso del nombre de sus autores aunque las mismas autoridades del lugar lo nieguen. Me pregunto: ¿Es esa la única razón válida para que sirva de referente de la creación plástica de una cultura?.  Si me siento a discutir con aquellos que apoyan estas obras, estoy seguro del discurso kilometrál y socio antropoluto que me darían para justificarlo. El punto es sencillo. Esa obra nunca por sentido común seria colgada en una galería. Por que es horrible (disculpe si únicamente juzgo con bonito y feo) y solo puede tener valor bajo toda una estructura sostenida por el contexto social, cultural, histórico, ambiental, espacial, filosofal, y todas las demás pluripajas que gustan salir de la boca de los mas acuciosos y estrictos catadores del arte.

 

De esto lo he hablado en artículos anteriores. (léase Horror Vacui)

 

¿A que voy con todo este discurso hepático?. Al error fatal que se comete cuando el arte vale mas por el nombre del artista que por la calidad y la esencia que contiene. Esto termina por volverlo un elemento sucio.  Cuando el artista se convierte en una vaca sagrada y se permite la autoridad de no seguir creciendo, reinventantarse y hacer lo que quiere por que sabe que será aclamado y admirado sin razón, se vuelve un objeto idolátrico que pierde su valor principal para únicamente convertirse en un nuevo dios al cual se le aplauden sus errores e incapacidades. En un héroe imaginario. Los galeristas gustan de ello. De endiosar. De apadrinar. De elogiar. A sabiendas que la obra se petrificó. El público se siente ignorante. El artista se muestra presuntuoso. Lo ridículo es que todos quieren parecer inteligentes si es que ser inteligente tiene valor alguno para el propio egocentrismo. Cuando veo obras de ese tipo colgadas en un Museo de Arte Moderno no puedo negar sentir una profunda decepción y rechazo por esa nueva religión llamada Arte. Y como religión, el arte ha creado sus dioses y santos, sus mártires y dogmas. Sus imposiciones y castigos. Sus premios y condenas. Sus propios santuarios (véase el creado a Carlos Mérida donde solo hace falta colocar velas bajo su mesa de dibujo y pedirle favores y milagros) Sus grandes sacerdotes, galeristas, críticos de arte etc. se encargan de evangelizar sobre su doctrina. Con demagogia soluta y perfumada. Palabras aromatizadas con colores líricos y extraños. Intelectualizaciones que  encriptan nada y analogías que recorren el mas infinito listado de nombres de intelectuales que puedan apoyar, entre mas mejor, aquello que ellos ven en el artista. La religión del arte termina siendo repugnante cuando sobre todo se le considera como una virtud humana. Cuando esta no hace mas que mostrar una de las caras mas egoístas del ser humano individual. Y el problema no es que ser egoísta sea malo, si es que vale la pena radicalizar entre bueno y malo. El problema es que según sus propias leyes, el arte se vende como un acto altruista y sublime del ser humano. Un representante de la sociedad. ¿?

 

La galería del terror esta ahí estimado lector. Puede verla en el Museo de Arte Moderno Carlos Mérida. Vea y por favor comparta su opinión. Le aconsejo incluso no ver los nombres para no dejarse influenciar. Salta a la vista. Y si no le parece así, enhorabuena, disfrútela que para eso esta.

 

Como nota vale la pena considerar el caso de Damián Hirst quien acaba de hacer historia al vender su obra por varios millones de dólares en Sothebis. ¿Significa eso algo? Como sabiamente han dicho otros,  no es mas que Caca de Elefante, que en efecto también ha sido subastada en forma de lata en las mejores galerías de Arte. Lo único que queda es no participar del juego que otros juegan.

Una Bienal Renovada con ideas Viejas y Muertas

Este año en su 16 edición la Bienal de Arte Paiz hizo un giro de 180 grados con respecto a su estructura e interfase al público, así como en su logística y selección de obra que de muchas formas, ha dado de que hablar tanto para bien como para mal. Creo que si todo cambio es para bien, hacer un juicio en este momento sobre si ha sido o no ha sido acertado este cambio, es todavía muy temprano. Creo que será hasta dentro de unos años, luego de ver hacia donde evoluciona, que podremos decir algo al respecto.

Por otro lado, creo que sí se hace menester hacer algunas observaciones con respecto a la obra concursante, la cual sí tiene mucho que debe de ponerse en tela de juicio, sobre todo si esta obra expuesta representaba parte del cambio que la bienal quería mostrar o aspiraba lograr evolucionar.

Lo resumiré con el titulo de este artículo. Ha sido una Bienal renovada con ideas viejas y muertas. La otra vez analizábamos con un grupo de artistas sobre el tema, y concluíamos que ya es hora de enterrar muchas preconcepciones, juicios y paternalismos en el quehacer artístico que solo están propiciando el estancamiento en la expresión artística y por otro lado, mostrando una propuesta totalmente contaminada de clichés “vanguardistas”, ideológicos y demagógicos. Muestra de ello pudo verse en casi un 80 por ciento de la muestra de la Bienal. Obra estancada, enclicherada o simplemente recurrentemente monótona.

Me pregunto: ¿Cuándo dejaremos de seguir incubando el mismo huevo que empollamos hace 20, 30 o 40 años? ¿No acabarnos la sopa para no probar otro plato? Decepciona ver que luego de 20 años en que de nuevo surgía un atisbo de vanguardia en el medio artístico, se siga repitiendo lo mismo como si fuera una condena o un karma creativo entre los artistas. Mucha de la responsabilidad (si no es que toda) radica, como desde décadas atrás se fue desarrollando el fenómeno en otras sociedades, en que se ha excluido de la estructura mediática del arte, al publico y observador común de la obra. Ahora para el artista no existe mas público que el crítico el curador. De pasar a ser un trovador de la gente, se convierte y aspira a ser el arlequino del rey, para el rey y su corte.

La bienal cambio todo su disfraz y su uniforme, pero siguió manteniendo el mismo cuerpo y la misma mente. Un cuerpo ya viejo y enfermo. Los mismos intereses y los mismos vicios. Una demagogia que ya en este tercer milenio, es obsoleta, marchita, árida e infértil. No significa esto que los artistas de antes ya no pueden proponer. Tampoco significa que los nuevos artistas son los únicos que pueden proponer. Significa que el mensaje, la expresión y los medios para expresarse deben evolucionar a la misma velocidad con que evoluciona el público al que pertenece esa sociedad en la cual se ve sumergido el artista o el expresador. No podemos como artistas seguir cantando un mensaje de hace 15 o 30 años mientras ahora ya no se canta y ya no se buscan mensajes. Sin embargo, cuando el mensaje no es mas que un tiro dirigido un grupo reducido y especifico, podemos seguir cantando la misma canción, con que años atrás seducimos a la novia.

De esto resumo algunas de las obras que llamaron mi atención por la falta de concepto, temática y calidad, así como creatividad, profundidad, estudio, profesionalismo y un sin fin de etcéteras que no hacen mas que dejar ver ese aridez e infertilidad en la propuesta que hoy en día aqueja el panorama expresivo en Guatemala y que solo encuentra sustento en el apellido del artista, en los premios ganados en certámenes anteriores o en racionamientos intelectualizados que como la obra que describen, no dicen nada. Algunas de estas obras:

El video de una mujer que se deja patear durante unos segundos para mostrar algo ???

Largos lienzos de tela colgados manchados de sangre que luego dieron de que hablar por los mojigatos intentos de censura de uno de los espacios de la Bienal.

Colecciones de fotografías de cualquier lugar de Guatemala que no dicen nada. Para ello basta con ver el periódico. Fotografía vana.

¿Una balanza con un reloj?

Un video de dos personas atadas jalándose de un lado a otro.

Un lienzo en blanco al que el artista le arrojó piedras con pintura untada que luego fueron puestas en el mismo orden en un manto en el piso.

Un trofeo con el tema recurrente, oportunista y liviano de la guerra.

Un muro con palabras calcadas hablando sobre la culpa

Un semi-volcán de papel estrujado y arrugado diciendo nada.

¿Un charco?

Intelectualmente o racionalmente, pueden justificarse este tipo de obras. Como ahora todo es válido entonces queda en desperdicio la discusión. Todo es válido cuando resulta que se ha roto el paradigma de que el arte tiene que ser algo. Cuando se le da al arte el pasaporte diplomático de ser una expresión libre, todo puede caber. Todo puede valer. Se vuelve el objeto de consumo fashion para las galerías y los curadores. Su propio objeto del deseo. Resulta que la vanguardia lo implica todo y sirve para todo, entonces todo es válido. Todo se vuelve una marca y se puede explotar. Sobre todo el nombre del artista. Su instrumento eterno del ego. El ego, como instrumento del quehacer artístico. El público como el esclavo espectador que tiene que conformarse con las migajas. Con las sobras. Con las costillas del ternero. Esto sucede así cuando se excluye olímpicamente al publico y real espectador de la obra. Cuando el valor de la expresión solo queda a criterio del índice que apunta para arriba o para abajo. La dictadura total del arte.

El problema de la crítica del arte es cuando se intelectualiza y se racionaliza con emblemas de otras culturas, tiempos o pensamientos. En un país analfabeta culturalmente como Guatemala puede ser lógico que lo que se muestra pueda convencer. Ese precisamente debe ser el Karma que se debe erradicar, enterrar o desterrar. Me pregunto a veces, ¿ya le gustó al arte de Guatemala vivir narcotizado?

Pareciera que luego de esta bienal, nos seguimos mostrando al mundo y a nosotros mismos como una cultura primitiva, provinciana e ingenua de la cual, solo puede sentirse admiración por su folclor inocente y descontextualizado. Ignorante sobre lo que le esta pasando frente a sus narices en este momento. Todo esto gracias al paternalismo artístico.

Finalmente, es necesario aplaudir a ese otro 20 por ciento de la obra en la Bienal que SI esta demostrando una mirada más fresca y limpia hacia donde proyectar la expresión humana.

Poesia y Cromosoma XX vrs el Todo

Bien dicen que juntar a los amigos de la novia con los del novio no siempre puede resultar agradable. Se suscitan reacciones que pueden ir desde la dispersión de la reunión,  hasta la anulación completa de mas de alguno de los asistentes a la reunión. Esto en el mejor de los casos. Otra reacción puede ser el choque entre ellos para desmerito de los anfitriones en si. Creo que algo así sucedió en la presentación Poesía versus Cromosoma XX. En este caso los “amigos de la novia” eran la poesía y “los amigos del novio” las presentaciones visuales quedando a la deriva un asistente mas, la DJ. (entiéndase esto como una analogía metafórica) Aun hoy mientras escribo estas anotaciones sobre la presentación, lo primero que viene a mi mente es ¿A quien tenia que poner atención? A la proyección fotográfica, a las poetas o a DJ G o al público atrincherado y amontonado que irrespetuosamente a sabiendas que era una lectura de poesía y narrativa no dejaban de murmurar, hablar, saludarse, como si se tratara de una reunión entre cuates anulando y faltándole respeto a los interpretes y al público que sí llegó a ver la presentación.  Conjugar distintas disciplinas expresivas en un mismo momento y presentación debe de llevar como punto de partida una armonización de cada una de ellas. Es decir, la poesía integrada a las imágenes, y la música a la poesía, y la fotografía a la música, y la fotografía a la poesía, y así sucesivamente generando una sola presentación y un solo ciclo armónico expresivo que permita al espectador entenderlo todo como eso, un Todo. Esto no se logro ni muy lejanamente en la presentación. Por un lado me sentía impulsado a la muestra fotográfica. Por otro a pararme de puntillas para ver a la oradora de turno, recordar su nombre y tratar de poner atención a lo que narraba o declamaba entre los cuchicheos de la gente alrededor que como mencionaba anteriormente, hablaban, se movían, cambiaban de lugar o se salían mientras todo lo demás quedaba como sonido de fondo. DJ G a mi parecer, creo que se llevo la peor parte. Integrar la música a la poesía y las imágenes era casi estratégico para amalgamar toda la presentación, sin embargo pude notar que luego de unos minutos se le solicitó relegar la música a servir solamente de introducción (como en una ceremonia de graduación) entre poeta y poeta o entre poema y poema. Luego, solo fue un fondo musical al final de la presentación que dio la idea de estar amenizando una fiesta electrónica y nada cercano a la idea que me imagino, era integrar la música a la presentación.

El teatro tras bastidores es un teatro pequeño. Un lugar pequeño puede ser un tormento para cualquier artista si no se maneja de forma adecuada.  Se debe empezar por respetar el limite de audiencia que puede estar en la presentación. Y sobre todo, luego de 10 minutos que inicia la presentación, cerrar las puertas, máxime si ya se llenó el límite de asistentes. ¿Esto porque? Para guardar la integridad de la presentación. Para permitir la concentración del artista y del espectador. Para permitir que se lleve a cabo aquello que se quiere lograr, una integración de las distintas disciplinas. De lo contrario no se hace nada. El mensaje queda entre cuchicheos y  una descripción sobre lo que sucedió se queda entre diálogos perdidos y una sensación claustrofobica de la presentación.

No puedo hablar exactamente de la obra de los artistas, de la poesía ni de la música porque no pude concentrarme en nada y no pude sentir nada de lo que en sus orígenes buscaban plasmar. Respeto a muchos de los artistas que se presentaron, tanto a los poetas como a las fotógrafas y a Dj G, sin embargo tendrá que ser en otra presentación que pueda hablar de la poesía o de la fotografía o de la música.

Por ultimo, ¿Qué realmente quería decir el nombre de la presentación? De ello valdría discutir un poco mas.

Auyon y la sintonia constante

Entre los pájaros cantores y los cargadores de “escaleras”, los colores tierra parecen disiparse al considerar que mas allá de aquella penumbra de la humanidad, existe siempre la interrogante hacia el lugar donde terminan por resolverse nuestros cuestionamientos. A Auyon puedo imaginarlo como un niño que sube a una escalera esperando ver que es lo que hay detrás del muro ¿o mundo? Lo veo como el joven que cierra los ojos y se retira en la soledad de su pensamiento ante cualquier trifulca o problema turbulento. Puede ser el poeta, el poeta sin palabras que se sube a la silla a pregonar lirismos, canciones cortas y refranes milenarios. Ahí esta él, como quien deja en sus trazos toda esa penumbra que muchas veces baila en nuestros pensamientos y nos hace necesario, casi inmediatamente necesario, llevar a cabo un exorcismo continua de nuestros pensamientos. Como botar ese saco a cuestas que día a día mientras de niño jugábamos a ser nada y simplemente vivir, nuestros padres, nuestros maestros, nuestras autoridades y nuestra sociedad se encargaron de llenar de suciedades abstractas al grado que poco a poco se tornaría una joroba continua tratando de empujar nuestros sentimientos a este piso del que tratamos de elevarnos con fin de llegar algún día al cielo. Al cielo y las estrellas como muchas veces lo comento él. Con Auyon eso fue un poco de lo que hicimos cada día que tuvimos un momento para conversar. Para hablar. Para no decir nada. Para retarnos. Retarnos en nuestras discusiones. Como dos científicos del espíritu que refuta uno al otro para poder posicionar una verdad mentirosa en medio de una conversación perdida. Auyon era muy mentiroso en sus verdades espirituales. Su mentira era la realidad de una fantasía. Esa fantasía de nivel ”fantástico” y mítico. La mentira fantástica regla de todo tipo de realidad. Pues es a partir de la fantasía, producto de nuestro mayor poder como es la imaginación, que podemos ver mas allá de estas barreras mundanas que día a día nos dictan y nos dicen que hacer. Es así como en nuestras conversaciones, divagamos etéreamente entre los cosmos y los profetas, entre los inmortales y los músicos, entre las reglas del mundo y las reglas religiosas. Hablamos de humanos y mujeres. De dioses y Diosas. De universos y trascendencia, de todo aquello que implicaba ser en lo más profundo, el eterno problema de la existencia: la existencia en si misma.

Auyon en su obra era una eterna noche del alma. Noche que decidió un día empezar a transformar. Aprendiendo a amar la luna solitaria, o las estrellas infinitas. Por eso era un pájaro de alas amarradas, un yaciente en medio de su familia y amigos. Era ese cargador que anda día a día con el saco de ilusiones a cuestas. Ilusiones desechadas un día y guardadas a sus espaldas para que luego de haber pasado esa noche, pudiera en el día echarlas a relucir. Era así como uno que otro día, entre platica y platica, contaba y sacaba del saco una de esas tantas ideas. Una de tantas esperanzas. Una de tantas ilusiones. Todas para apreciarlas como quien aprecia esos artefactos que el recuerdo nos deja tras el paso de los años. La mostraba con sus manos y la describía con sus palabras. La elogiaba a veces y otras, confesaba haberlas odiado desde el momento en que se había enamorado de ella. Y ahí, en su obra física, se quedaba la sobra de esos pensamientos. Plasmado en la eterna noche de los colores ocres y el sabor a tierra y antaño que puede dejarnos al verlo.

Un día de tantos, en medio de esas conversaciones a la nada, hablamos de aquello que podía ser un punto de partida para buscar en la vida. El en un momento determinado dijo paz. “sabe principe, usted lo que debe buscar es paz, no felicidad”. Lo dijo en ese momento como un descubrimiento que ya tiempo atrás estaba contemplando. No la paz del mundo ni esas utopías que a diario se nos hacen ver o esperar. Era la paz de la nada. La paz de no existir. De saber que la no existencia podía llevarnos a esa noche eterna en la que sí, efectivamente, podíamos tocarlo todo y a la vez no estar en nada. Conocí la obra de Auyon en sus últimos años. La conocí en su batalla final. En el momento en que iniciaba a enfrentar el desenlace de sus interrogantes. Es por esto que ahora que la veo, puedo pensar que fue su testamento final. Los diarios de guerra. Los últimos amparos a la vida. Las últimas negociaciones de reconciliación con este mundo. Las razones para dejarlo todo. La conclusión final a toda una vida de confrontación con el imaginario de las artes y la reivindicación intelectual. Al final, la paz era el su conclusión. Las teorías, los pensamientos, las divagaciones, solo darían un tormento más que soportar.

Los cargadores de Auyon es lo que en cualquier momento vendrá a mi mente en el momento que pueda llegar él a mis pensamientos. Las escaleras serán elementos aislados, solitarios, quizás porque finalmente nunca las quiso subir. Sin embargo, mas allá de lo que pude ver en su obra plástica, Auyon será esa persona con la me crucé un par de veces antes de conocerlo y pude leer en su mirada ese profundo vacío hacia la nada total. Como si ambos en medio de un desierto y en medio de una batalla, a pesar de no conocernos y sabiendo que quizás podríamos ser enemigos antes que amigos, consideráramos qué la guerra es inútil, y entonces simplemente tratamos de hacer una tregua y procuramos escapar de ella. Puedo dudar en estos momentos sobre la realidad de quien se ha ido. Si yo o el, o nadie realmente.

Cuando pensé en la obra que podría dedicar al homenaje de su persona, lo único que vino a mi mente fue su obra en si misma. Su caligrafía espectral que muchas veces plasmó en hojas de papel de todo tipo, comunicando algo que siempre era igual. Que siempre se manifestaba en remolinos y turbulentos trazos formando en medio de ese huracán de pensamientos, una idea sublime y utópica que en el fondo hubiera sido para el, la salvación de su relación entre su experiencia y esta vida desconocida. Yo, solo hice un pequeño aporte. Fue un poco de color y secularización… y el nombre que quizás en el fondo, el consideraría podría ser indicado: Saint German Radio A. Una frecuencia eterna que seguirá sonando por el resto de la existencia de muchos.

La Desaparicion de “La Novia” de Margarita Azurdia

El dia 3 de abril se llevo a cabo en el Centro Cultural Metropolitano, la exposición Margarita Azurdia, en homenaje a la obra de dicha autora. Dos días despues, las autoridades del Centro Cultural Metropolitano notaron la falta de una de las piezas expuestas. Una semana despues, daban a la directora de la fundación de Margarita Azurdia, la noticia del robo de una de las piezas o si no lo era así, la desaparición por razones desconocidas de la misma. El nombre de la pieza: “La Novia” que forma parte de una colección personal de la fundación que ella dejó luego de su muerte. Hoy La Novia ha de andar secuestrada en manos de algun coleccionista, un fanatico de la artista o un simple, vulgar y oscuro comerciante de arte. ¿Qué hacer? ¿Por donde empezar?. Aunque este hecho quedó totalmente fuera del dominio público, creo que aquellos que apreciamos el valor de la obra de cualquier creador, sabemos de lo grave y delicado que es un hecho de este tipo, sobre todo en un lugar que durante los últimos años ha apoyado y dado lugar a muchos artistas para llevar a cabo su labor creadora. Pienso que buscar responsables y echar culpas no es la razon de este escrito. El único responsable a todas claras es la persona que llevó a cabo el hurto o desaparición de la obra. El malechor siempre es el responsable. Sin embargo, saberlo y estar concientes de como tambien el arte no esta libre este tipo de acciones, es un punto de partida que se debe tomarse en cuenta para casos futuros. La prevención, es el otro punto a considerar. A veces puede verse una sensación de liviandad en las exposiciones como quien dice que nadie va a robar o dañar un cuadro u obra artista. El malechor y el ladrón debemos saber que tiene caras distintas, y no solo es aquel que asalta un bus urbano o secuestra a una persona. Que desaparezca una pieza de arte que ha quedado como patrimonio de una artista que dejó su huella en la historia del arte de guatemala, es tan grave como el acto de robar una reliquia o una antigüedad. ¿Estan haciendo algo las autoridades respectivas empezando por aquellas que cobijaron la exposicion para llegar a encontrar un responsable o una explicacion a lo sucedido?. Según pude platicar con la directora de la fundacion de Margarita Azurdia, aun no tiene noticia de algún procedimiento concreto por medio del cual se esté buscando dar con la persona responsable de la desaparición de la obra. La Novia era una pieza no valuada, lo cual puede complicar el proceso de investigacion, o por el contrario, cerrar el circulo de posibles protagonistas. Creo que las autoridades del Centro Cultural deben sobre todo apoyar la busqueda de los culpables de forma competente a modo de evitar este tipo de hechos, haya sido hurto o haya sido lo que sea. Cuando sucede algo así y resulta que no hay una voluntad de solucionar el problema, o simplemente se deja en el olvido como algo que esperamos no vuelva a pasar y solo se ofrece una disculpa y explicaciones al aire, es porque no se esta tomando en serio o con gravedad el hecho de respetar y proteger la obra del artista. Esto no hablando unicamente de este Centro Cultural. Es hablando de las personas encargadas de la organización de este tipo de eventos. Muchas veces el artista cae lastimosamente en la actitud condescendiente con tal de poder exponer su obra. La desvaloriza y se presta a soportar la indiferencia de los organizadores que va desde el maltrato o el irrespeto de las indicaciones de la obra, hasta el descuido de la seguridad en la misma. Esto solo esta en manos del artista que se haga respetar. El caso de La Novia de Margarita Azurdia cuya obra ha dejado un valor en el arte de Guatemala, histórico y referente, no debe quedarse simplemente en el aire. Debe llevarse a cabo una solución clara que vaya mas allá que la reposición de la obra por medio de una ¡replica! según ofrecieron (¡!) . Deben esclarecerse las cosas. Al menos tomar medidas al respecto. Y son sobre todo las autoridades del Centro Cultural Metropolitano, quienes deben dar el primer paso para ello. La reputación que tiene este Centro Cultural de apoyo y respeto al artista no debe de ponerse en juego con una actitud pasiva. Deben marcar precedentes.

HORROR VACUI Y LA LIBERTINA IMPUNIDAD ARTISTICA DEL PERFORMANCE

1era parte

Tuve la oportunidad de presenciar algunos de los perfomances presentados por varios interpretes expresivos durante la muestra Los Desaparecidos en las instalaciones de la Cooperación Española en Antigua. Mi sensación no fue para menos: Horror Vacui Total, pero no del que se pretendió mostrar. Fue Horror Vacui por el vacío conceptual, estético, creativo, propositivo, contextual, profesional e interpretativo de cada una de las muestras que vi. (Desistí de ver el resto ante el panorama que presumí se proyectaba debido a los antecedentes vistos). Vale la pena indicar antes que nada que la muestra plástica de obras expuesta por distintos interpretes de Latinoamérica estuvo a la altura en su calidad estética, conceptual e objetiva. De ello no cabe duda. La diferencia, el contraste y la oscuridad vino de los performances y el supuesto accionismo que llevaron a cabo distintos interpretes expresivos durante el ultimo fin de semana. ¿Razón de ello? El impune libertinaje del perfomance y accionismo. ¿Por qué impune y por que libertinaje? Porque todos pueden hacer lo que quieren y tienen el perdón de ser artistas, lo cual les exime de toda culpa de falta de creatividad, talento o capacidad. En quien termina por recaer esta culpa es en el observador, ya sea por que se siente burlado ante lo que esta viendo, ya sea por que se siente culpable de no tener la capacidad de entender y descifrar los desordenes interpretativos que la obra refleja. Pareciera ser, y espero no resultar muy agresivo, que este tipo de expresiones no han hecho mas que propiciar una oleada de mediocridad artística en nuestro medio. Una mediocridad abanderada en el supuesto romántico imaginario que el arte conceptual abraza con sus límites ambiguos y subjetivos. Todo es valido. Nada es valido. Todo es bueno. Nada es bueno. Lo provocador. Lo sucio. Lo bello. Lo estupido. Lo ridículo. Lo malvado. La burla. Lo insulso y soso. Todo es arte. Aunque nadie lo entienda. Aunque nadie lo sienta. Creo que estamos cayendo en un error. Sobre todo, por que pude notar en muchos espectadores que acudieron a estos performances una especie de consideración paternalista con el artista como de quien dice: ¨Son artistas¨. Yo, particularmente, solo por que no cobraron la entrada no pedí que me devolvieran el dinero. Debo ser claro en que aquí el problema no es el medio de expresión, es decir el performance o accionismo como medio. He tenido experiencia de presenciar performances de todo tipo en otras ocasiones y no desvalorizo en ningún sentido su valor expresivo e importancia interpretiva que este medio tiene. El horror vacui de estos performances presentados el pasado fin de semana, radica en esa aura sacralizada que se le da a esta tendencia ya sea por provocativa, por progresista o por emancipada que termina por acomodar al expresionista en resultados que bajo cualquier punto de vista se muestran vacíos en su calidad interpretativa, estética, conceptual y comunicativa. Es decir, acciones vacías que no dicen nada. No dejan nada. No motivan a nada. Todas ellas respaldadas por una descripción ambiciosa e intelectualizada de conceptos e ideas que al final contrasta con la realidad interpretada y resultante. Y si bien los resultados pueden ser decepcionantes, mas aun lo es discutir del tema. Porque siendo el performance un medio en el cual todo es un medio de expresión, el cuerpo, y la retórica, y la demagogia, y la contextualización, y la guerra, y la época, y la sociedad, y el sinfín de etcs. lo justifican, entonces no es posible colocarlo en ninguna posición critica y discutible siendo totalmente impune a cualquier opinión sobre ella. ¿Como calificar entonces algo según lo cual es valido todo y nada puede cuestionarse?…El poder absoluto al servicio del ego del creador.

Cualquier tipo de interpretación de estos medios contemporáneos de expresión, ya sea performance, accionismo o sus derivados, pierden totalmente su función si no logra captar, provocar e incursionar en el conciente y subconsciente del espectador. Hacer cosas raras y extrañas es sencillo. Hablar y comunicarse con el público es lo que requiere trabajo, y si sobre esto se sabe manejar la obra con estética, creatividad y maestría, entonces tenemos realmente una propuesta significativa y valiosa. Todo lo contrario percibí en la muestra de este pasado fin de semana. Un vació absoluto en cada presentación y para aunar mas la decepción, en muchos casos, una falta de calidad estética y profesionalismo por parte de los interpretes. De esto hablaré en la segunda parte de este artículo especificando el caso particular de cada uno de los intérpretes que presencié.

A veces pienso que el performance muchos lo interpretan como un culto que justifica lo chusco, informal, molesto, improvisado, escandaloso, ridículo, insulso, soso y desagradable. Es un error si quien utiliza este medio busca encontrar en estos elementos provocación y atención del espectador. Como mencionaba atrás, ahí radica el libertinaje molesto que este medio se ha auto-impuesto o se lo han impuesto los defensores de este medio. ¿Por qué? Porque si bien en su momento significó el estallido de una serie de presiones en el subconsciente colectivo de su época, hoy solo da la impresión que es una muestra cansada de ideologías muertas, acabadas y carentes de sustento conceptual y teórico. De ello resulta que este es su modo de mostrarse alternativo o revolucionario para un publico saturado gráficamente de imágenes, programaciones rutilantes y todo tipo de información que ensordece impertinentemente su atención como espectador. Creo que esto mas que acercar al espectador lo aleja. Lo aleja por ser inentendible. Por resultar en muchas ocasiones molesto y escandaloso. Por intelectualizarse y enclaustrarse en un circulo cerrado. Se convierte en el traje del sastre que todos tienen que aplaudir para no parecer idiotas ante el rey.

Por ultimo quiero aclarar nuevamente que el problema no es el metodo, es decir el Performance y sus semejantes como medio. Al contrario. Este medio por principio tiene como instrumento el universo de posibilidades para crear. A diferencia de otras disciplinas que se encuentran severamente limitadas por la técnica, como pueden ser las bellas artes, el Performance no tiene límites. Y si bien es ese es el mayor peligro ante el que se enfrenta el intérprete, es también su mayor riqueza. Por tanto ¿Por qué no explotar estas riquezas? ¿Por qué seguir utilizando las viejas recetas que se hicieron hace 50 o mas años? Recetas de cocina como desnudarse, mancharse el cuerpo, vestirse de negro, quitarse la ropa, o simplemente no hacer nada. ¿!!!? Y sobre todo, ¿Por qué tiene que ser chusco, descompuesto y soso para esperar provocar una reacción? ¿A veces me pregunto cuando veo estas presentaciones ¿Estamos tan enajenados que ya la belleza no nos conmueve ni la buscamos? ¿Nos aburre? ¿Acaso hemos perdido la sensibilidad y la capacidad de asombro ante lo bello, rico, edificador y armonioso? ¿Acaso eso ya quedo relegado al pasado por que se hizo en su momento? ¿No volveremos algún día a ver en las presentaciones artísticas, propuestas armónicas, frescas y nuevas? ¿No seria acaso mejor que para concientizar sobre el dolor y el sufrimiento que vivió nuestra sociedad y sociedades semejantes, se usara el mensaje que su antitesis representa? Es decir, todo aquello que se opone a la violencia, la cultura de muerte y el dolor. La luz, para iluminar la oscuridad, y no la oscuridad repleta de cachivaches viejos que nos puedan hacer tropezar de nuevo.

La parabola del Sastre y la Apreciacion del Arte

Cuenta una vieja fabula acerca de un sastre que fue contratado por un rey para que le hiciera el traje que luciría el día de su cumpleaños. Por circunstancias que en este caso no interesan mencionar, resultó que el sastre se vió en la incapacidad de cumplir con el encargo del rey y llegando el día en que debía de entregar el traje, tuvo que recurrir a una idea que no deja de ser ingeniosa y para fines de este análisis, propicia para describir una actitud arraigada en una conducta programada del ser humano con respecto al arte. Con destreza en su forma de exponerlo, el sastre logró convencer al Rey que le había confeccionado una obra maestra en belleza, moda y logro científico: un traje invisible, el cual además de esta característica totalmente maravillosa, era un instrumento que permitía medir la inteligencia y el conocimiento de todo aquel que lo observara. En pocas palabras, solamente el inteligente seria capaz de apreciar el traje, y aquel que careciera de inteligencia, terminaría no viendo nada, es decir, al rey en cueros. El rey, claramente, en su condición de soberano y ejemplo de altitud y virtudes intelectuales ante el pueblo, no podía menos que decir lo bello y gratificado que estaba con aquel trabajo que el sastre entregaba en sus manos. Es así como no pensando mas que en su propia inteligencia (la cual seguramente no era mucha) salió triunfalmente a las calles, y no pudo esperarse otra cosa que la risa de todo el pueblo, y con ellas, la consecuente humillación de su persona.

Tres elementos pueden desglosarse en este relato: primero el papel del sastre ( o supuesto creador) que ante la necesidad de encontrar una solución que lo salvara de morir por causas del caprichoso líder, pudo concebir la forma de tomar partido de aquello mismo que seria la causa de su desgracia: la mentalidad bruta y poco inteligente del rey. El segundo elemento es el mismo rey, que careciendo precisamente de una apreciación clara de su condición y la condición de los demás, no tiene otra opción que aceptar aquello que no puede refutar, ya que si bien es capaz de refutar cualquier otra cuestión referente a decisiones de poder y fuerza, aquellas que se le muestran abstractas y poco graficas le resultan difícil de analizar y se ve por tanto sin potestad para poder decidir sobre ello. Es por esto que toma la decisión confiando en sus súbditos y como único apoyo a su decisión pone de testigo a toda la corte. Con la corte llega el tercer elemento, y sobre este tercer elemento se da punto de partida a este estudio sobre un comportamiento discutible de la apreciación del arte. La corte, ante el miedo y el temor que supondría contradecir al rey, y de acuerdo a querer mantener su posición de lealtad y privilegios junto al mandatario, cede a la mentira que el sastre le ofrece y aprueba la decisión del rey, considerándolo inteligente en la opción que toma y además, llenándolo de adulaciones ante lo que no entiende y saben es una completa farsa. Muchas deducciones pueden tomarse de esta fabula, muchas deducciones y analogías aplicadas a muchas actitudes de la conducta humana en distintas condiciones y expresiones. En este caso, únicamente concierne la referente con la apreciación del Arte: La del observador de la obra de arte cuando se convierte en adulador de un payaso.

Poco, mucho o nada puede hablarse sobre la apreciación artística. Que es bueno o que es malo. Esto también considerando que el término bueno o malo no es un parámetro de valorización y menos de apreciación. En este caso solamente es un referente a la bipolaridad de la percepcion artística. Pueden deducirse elementos de carácter técnico y compositivo, matemáticos, o cromáticos, elementos que pueden ser medidos con parámetros objetivos y concretos, sin embargo, la obra de arte, es un objeto compuesto de dos naturalezas: La objetiva (que da lugar a su forma y apariencia la cual actúa hacia nuestros sentidos) y la subjetiva (el valor intrínseco de la misma que solo propone el creador y el apreciador) Una se vincula con la otra y viceversa. Y es esta ultima naturaleza ( la subjetiva ) la que ha sido causa de cualquier tipo de discusión a lo largo de la historia del arte: ¿Es o no es valida una obra de Arte? ¿Cuándo vale y cuando no vale una obra como elemento Artistico o expresivo? Siempre esta apreciación será relativa a quien la percibe. O al menos así debería serlo. Nunca podremos considerar una obra como la obra perfecta que pueda afectar a todos, de hecho, por lo general no es su fin, un objetivo masivo. Y además ¿tiene que ver su validación con la aceptación de una mayoría? ¿Qué parámetros habrían de tomarse por tanto para considerar la obra como una obra validada y no una obra invisible, un traje invisible? Se dejaran estas cuestiones como objeto de estudio mas adelante pues no es ese el objetivo de este análisis. No es el fin de encontrar principios que puedan medir este valor de la obra, pues desde el momento en que su valor se convierte en un valor subjetivo, pierde todo parámetro de medición por medio de elementos físicos y materiales con los que podríamos cuantificar y debe estudiarse desde otra perspectiva dirigida a la apreciación antropológica y metafísica de la misma

Ahora bien, sí vale la pena entender las figuras del sastre, el rey y el adulador como referentes de la actividad artística y dentro de ella la percepción de la obra. El sastre como el pintor, el rey como el medio de propagación de la obra y al adulador como el observador. Y es curioso pero de los tres, es el adulador quien mas desvirtúa el proceso cíclico del quehacer artístico, pues mientras el sastre y el rey persiguen objetivos claros y definidos ( en el caso del sastre su objetivo es vender la obra, el del rey, mantener su status de dueño y regidor del conocimiento y la apreciación artística ) el adulador por el contrario, únicamente obedece a un instinto cobarde, negándose a si mismo su derecho a la real apreciación de la obra, en aras de no ser despreciado y juzgado por el rey. ¿Quién es el rey? Esta pregunto puede contestarse con otra pregunta, para que el lector saque sus conclusiones ¿Quién exhibe y califica la obra como buena? ¿Quién ha tomado el derecho de decidir que es bueno para que los demás lo acepten como tal?

El adulador o falso observador de la obra sufre de dos defectos. El primero, radica en su limitado criterio de apreciación (integrado por cualquier razón existente) y el cual no viene al caso para este análisis si es justificado o no lo es. El segundo es su cobardía de aceptar su condición de desconocer o sentir la obra que observa. La simpleza por ejemplo de relegar esta tarea al rey y convertirse en adulador, aceptando lo que este diga aunque no lo entienda. Por ejemplo gustar de Picasso y considerarlo un artista que le mueve los sentimientos. ¿A quien le importa si un artista es bueno o malo? Lo que vale es la experiencia del observador ante la obra. Y este observador debe ser sincero con su apreciación sin dejarse llevar por apreciaciones ya definidas con respecto de la obra, como si únicamente existiera una forma de visualizar una composición artística. ¿Cuánto se ha escrito de los artistas? ¿Quién tiene la razón? ¿Puede acaso una sola persona o grupo de personas “eruditas” adivinar todas las emociones que una obra causará en el observador? Por lo general un análisis de la obra, desde el momento en que se reconoce el valor subjetivo del arte, no puede acaparar la atención del medio en general, pues limitaría y estrecharía su libertad. Y su universo de expresiones desaparecería hasta convertirse en lo que únicamente termina convirtiéndose la obra, un cuadro en un museo o un dibujo en una postal.

No es nuevo notar que la apreciación artística se convierte en muchas ocasiones en un juego de adulación que poco tiene que ver con la verdad sensible que debe acompañar al acto de observación de la obra. A lo largo de la historia, el acto de crear y transformar por medio de la creatividad una idea para que se convierta en materia observable y apreciable, ha causado la admiración de muchos y se ha convertido en un símbolo de virtuosismo que provoca esta admiración, tanto a los que tienen la capacidad de comprenderlo, como a aquellos que no han educado su sensibilidad a este tipo de apreciación. Sin embargo, el halo de magnificencia que encierra el quehacer creativo, es perenne y claramente estereotipado.

Este contexto y universo que encierra todo el quehacer creativo ( desde la creación de la obra, hasta su exhibición y observación, pasando por todo el cúmulo de experiencias que el creador desarrolla para llevar a cabo la obra final) ha convertido para muchos el acto de apreciación de la obra en un deleite egocentrista de carácter vanidoso que los eleva a un estrato cultural ( no social ) en el cual pueden llenar vacíos interiores por medio de la aceptación y la auto aceptación de un grupo elite, como puede ser el grupo o la elite de los intelectuales. El único fin que busca este espectador, es el de alienarse a ese grupo de personas que llenarán su vanidad considerándolo conocedor del tema en cuestión. De esta forma, los personajes de la parábola se definen y entramos a observarlos para poder analizar de forma mas precisa, como y porqué cada uno es y que tiene que ver todo esto con la apreciación del arte.

Poco Arte para muchos Artistas o Mucho Arte para Nada

Viendo los periódicos o escuchando la radio a diario y considerando la magnitud y gravedad de las noticias, podemos percatarnos del poco espacio que la mayoría de los medios le dan, día a día a la parte del arte y la cultura. En el caso de la comunicación escrita, solo tres de los más importantes medios de prensa otorgan un espacio a esta actividad. En la radio podemos tener un poco más gracias a dos o tres emisoras que emiten segmentos culturales o tienen programación corrida con distintos temas de interés cultural y artístico. Sin embargo, no dejan de ser solo un breve, pero muy breve respiro que muchas veces queda ahogado y empañado ante la marejada de información comercial, superflua y sosa que a diario inunda a todos los medios. Tres paginas de cultura, contra 60 de asesinatos, desfalcos, desgracias y publicidad que a diario se muestra en los medios escritos. Si es con la radio igual. Tres estaciones sumergidas como islas en un mar de nada. Nada como nada puede ser el agua salada cuando con sed, lo que se busca es agua dulce. Algo que refresque. La pregunta que viene a mi cabeza es: ¿Realmente no es importante esto de la cultura? ¿Realmente no se esta haciendo nada interesante? ¿Por qué los medios de comunicación (entiéndase a estos como fuerza importante en la expresión de una sociedad en crecimiento) no le otorga un espacio mas amplio y variado a esta cuestión de la expresión artística en todos los ámbitos? Siempre el arte, en países o sociedades subdesarrolladas, si así nos gustara llamarnos, es ese exiliado apestoso y amado. Es esa cosa extraña que solo hacen los locos o raros. Los hippies o caitudos. Nadie vive del arte, y solo acuden a las presentaciones los cuates o familiares para apoyar al artista porque: “pobre, hay que hacerle la pala”. La respuesta que doy a las dos primeras preguntas que hice al inicio de este escrito es un Rotundo NO. Es decir:

¿Realmente no es importante esto de la cultura? SI ES IMPORTANTE. Es parte principal del crecimiento social de una sociedad. Del conocimiento antropológico de los individuos que forman una sociedad. Es el inicio de una actitud mas abierta a la expansión del espíritu versus el adormilamiento provocado por los engranajes de la rutina diaria. La cultura nos distingue de cualquier otro ser viviente sobre la tierra. (Esto sin desmeritar a ninguno). Y hacer cultura, hacer arte, pensar, interrogarnos, proponer, trabajar sobre la imaginación, la creatividad o la estética, nos muestra como seres que evolucionamos mas allá de las necesidades básicas de sobrevivencia. Seres que como comunidad, nos deleitamos de la cuestión de la vida. La apreciación y contemplación de la existencia en si misma, por si misma, y solo para si misma. Por el puro gusto de hacerlo. SI ES IMPORTANTE LA CULTURA. Y es importante propagarla. Y es importante que día a día, don cuento el panadero, don Jaime el administrador de empresas, dona Lucha que lleva a sus hijos al colegio, o el patas que maneja la camioneta y cualquier otra persona o tipo de persona vea a diario ese pensar. Que aprenda a contemplar. A deleitarse solo por el gusto de hacerlo, y no por que esta obedeciendo a un patrón de mercadeo que ya le vendió la salsa servida y gusta de comérsela viendo una novela o leyendo la extra.

La segunda pregunta es ¿Acaso no se esta haciendo nada de arte y cultura en Guatemala? SI SE ESTA HACIENDO. Y se esta haciendo mucho. Y es impresionante cuanto se esta haciendo. Y como es con todo, se hacen cosas buenas y también hay muchas cosas malas. Cosas muy buenas y cosas muy malas. Pero se hace. Y solo haciendo estaremos perfeccionándonos como artistas y como espectadores. Se hace de pintura, de literatura, de comics, de cine, de danza, de teatro, de música, de poesía, de canto, de moda. Se hacen eventos que impulsan actividades artísticas. Conferencias, presentaciones de libros, diálogos, seminarios, talleres, convocatorias, manifestaciones artísticas, conciertos, etc. Se hace mucho. Se hace en la capital, en los departamentos, en Atitlan, en Xela, en San Marcos, en Escuintla, en Huehuetenango, en Chiquimula, en Coban, etc. Y la pregunta es. ¿Por que no se nota? ¿Por que esa idea en el ambiente de que el arte no se apoya? Yo mismo, que busco todo tipo de evento y lo hago con todos los medios que tenga al alcance, no dejo de sentir muchas veces esa sensación de que el arte no importa en este país. O que a pocos les importa. Sin embargo, sé con toda certeza que no es así. Ahora que los cimientos empiezan a solidificarse, es el momento de empezar a distribuirlo y valorizarlo. Empecemos esta tarea con exigir arte. Arte en la arquitectura. Arte en la conversación. Arte en el urbanismo. Arte en el colegio. Arte en las universidades. Arte en cualquier actividad. Arte en la publicidad. Arte en la música. Arte en todo.

Y entiéndase Arte, como el gusto por la expresión creativa y limpia. Fresca y propositiva. Aquella que pueda oír el rico y el pobre. El tonto o el inteligente. El nadie y el importante. Arte como quien dice que estamos despiertos, o empezamos a despertar.

Mundo Capitol y la fotografia vana

Hace una semana, tuve la oportunidad de ver algunas de las muestras de la Exposición Fotográfica que se llevo a cabo en el Arte Centro Graciela Andrade de Paiz, titulada Mundo Capitol. En estos momentos mientras escribo sobre la muestra, aun no estoy seguro que es lo que no me gustó. Creo que en el fondo,  es la cuestión de la vacuidad expresiva. Vamos a tratar de definirlo de forma mas precisa: El tema a tratar, Mundo Capitol, es todo un universo de opciones, que debería haberse aprovechado de forma creativa y no únicamente a nivel de técnica. En la muestra puedo observar el buen desempeño técnico por parte de los artistas, tanto en el manejo de la luz como de la  composición. Digamos que lo básico. Lo necesario.  Sin embargo, sobre creatividad, imaginación y conceptualización de la iconografía y antropormofología social del lugar, no vi nada. Mas bien, fue como ver retratados los clásicos clichés que todos conocemos y que nos harían pensar que el Capitol es ese símbolo urbano que encierra lo que socialmente puede ser una convergencia cronológica y cultural dinámica.

Quien ha estado en el Capitol y quien ha recordado el Capitol y quien ha ido a comer, a ver una película o a recorrer sus pasillos una tarde cualquiera, puede darse cuenta que el Capitol es mas que eso que a diario sucede y cuyos protagonistas hacen interesante. Entre líneas, existen otros símbolos mas fuertes y perennes que lo que a simple vista podemos visualizar. Mostrar a peluqueros o trasvestis, considero que es casi como utilizar el recurso sensacionalista para captar la atención y empapar la fotografía de lo obvio y no lo creativo. Es ahí donde siento el gran vació que me dejó la muestra. No había nada que nadie pueda sentir sin necesidad de una fotografía. Creo que la fotografía, hoy como recurso artístico y expresivo, debe explotarse a un nivel mas exigente. No conformarnos con sacar una mirada interesante que puede ser de cualquiera. No jugar con claroscuros utilizando modelos pintorescos como puede verse en una peluquera, en  un payaso de la calle o en una maquina expendedora de dulces. Es mas que eso.  Es ir a explorar esos símbolos. Desmembrarlos en su composición figurativa y trabajarlos compositivamente sobre un escenario puro. Diseccionar el espacio, la escena y los componentes. Atravesar las dimensiones reales y  “filosoficar” la imagen mas allá de la percepción obvia y natural que nos muestra. En un mundo inundado de imágenes vanas y superficiales, no podemos conformarnos ante una propuesta expresiva que nos diga lo que todos sabemos. Basta con tomar una revista cualquiera para ver que la fotografía en su esencia básica, ha quedado relegada a ser un medio visual simple y que su valor expresivo a nivel artístico debe ir mas allá de su mera función grafica y utilitaria.  De lo contrario simplemente serán imágenes VANAS. Momentos congelados que dejaron su mensaje en el papel sin poder transmitirlo al espectador. No se trata tampoco de hacer cosas extrañas e inentendibles, antiestéticas o irreverentes. Esto seria como caer en el mismo sensacionalismo que consiste la utilización de clichés obvios que sabemos que tienen relevancia en la percepción del espectador. Se trata de encontrar un lenguaje mas básico, pero mas profundo. El símbolo de la escena en su esencia pura. Si algo que vemos en la calle llama nuestra atención, debemos explorar su significado. Cual es su mensaje entre líneas. Que hay mas allá de lo que percibimos directamente. Luego de captar este mensaje, el artista deberá encontrar el código perfecto para mostrarlo. Para esto, los medios son infinitos y las opciones igual. La tarea esta en encontrarlos. He ahí el valor creativo y propositito de la expresión artística. Del quehacer artístico.

 

La técnica y el manejo del instrumento pueden ser prodigiosos. Sin embargo, si el mensaje es soso y trillado, caemos en tener una expresión alienada al bagaje visual que todos los días nos invade la publicidad, los periódicos y la folleteria.

La etérea imagen vana.

Festival de Danza en Guatemala

(Día internacional de la Danza)

 

El pasado 29 de abril se celebro en Guatemala el día internacional de la danza. En un desplegado público en el parque de la Constitución, escuelas y grupos de danzas de distintas partes y regiones del país, dieron un Show que puede decirse que mostró al público la importancia de esta rama artística en la percepción de la comunidad general. Por que es importante que sepamos que el arte es una opción en nuestro país. Que es algo tan importante como el trabajo o la familia. Como entretenerse o tratar de sobrevivir una crisis. Que quizás incluso, nos abre para poder crecer y creciendo mejorar esa otra parte que solo vive para arrastrarnos a la rutina adormilante de cada día. La danza, suele ser en muchos casos, ese arte extraño que a escondidas o en lugares remotos se lleva a cabo. Muchas veces considerado elitista, o en otras muy de mode. Otras tantas, un adorno politizado para abrir o celebrar días festivos. ¿Podemos ahora sentarnos a simplemente degustar de una velada de danza sin ningún contexto mas que la belleza estética del movimiento corporal y la dinámica musical? Antes que nada, creo que al igual como en cualquier otra rama del arte, por ahí debe ir el camino de estas disciplinas. El gusto. El simple gusto del observador.

Durante el festival se tocaron distintos ritmos y géneros de danza. Algunos, mostraron una secularización acertada por medio de la incorporación del folclor a  la danza y música moderna. También hubieron otros, que siendo de carácter contemporáneo, dejaron muchos vacíos creativos y coreográficos en su presentación. Por otro lado, se encontraban las escuelas de danza en la que participaron niños, quienes dieron un espectáculo sobrio y prometedor. La conjugación entre la suavidad estética que la niñez  en si misma implica y el trabajo de obras clásicas  fueron suficientes para lograr una armonía simple, buena para cualquier espectador. Como puede suceder en todo tipo de evento, siempre existen los contratiempos. El problema suscitado con la música,  durante la presentación del grupo que representó una interpretación de la tradición del 1ero de Noviembre en San Juan, quienes mostraron una obra sumamente original que captó en todos nosotros nuestra atención y  la cual todos esperábamos ver concluida como sus participantes lo habían planificado, fue una pena, aun a sabiendas que problemas técnicos siempre pueden suceder en todo tipo de evento y que deben ser, una vez que suceden, una enseñanza a los equipos de logística tanto de los grupos participantes como para los productores, a fin de evitar que vuelvan a suceder en representaciones futuras. Todo es una enseñanza, y los mismos participantes de los distintos grupos de danza, teatro, música etc, lo saben cuando en algún momento cometen un destiempo o un error sobre el escenario. Todo sirve para mejorar. Siempre teniendo la idea que ese es el fin del trabajo. Perfeccionarnos en creatividad y destreza. Exigirnos y exigir al público que nos exijan.

Hoy la  danza ha salido  desfilando con banda y todo por la calle. Y llegó al parque y a la gente. Salió para mostrar que el ritmo y el movimiento es para todos. Que el ritmo no es solo aquello que nos hace movernos en un momento de fiesta o alegría. Lo que nos hace seguir una rutina diaria ante la cual bailamos involuntariamente. El ritmo y el baile también puede ser un momento de silencio y meditación en el cual podemos sentarnos a observar y apreciar a todos estos artistas diciéndonos algo. Diciéndonoslo por medio de su creatividad, interpretación y movimiento corporal. Hablándonos con movimiento y música. Y nosotros compartiremos su energía. Así como hoy, que entre los grupos que participaron, estuvo aquel que nos regaló su silencio zapateando y moviéndose al viento para que nosotros con las manos levantadas al cielo, pudiéramos decirles que el lenguaje universal va mas allá de lo físico. Esta en nuestro espíritu.

Felicitaciones a quienes organizan estos eventos. A los artistas que participan, y al público que escucha.

El arte es una responsabilidad de todos.

La crisis conceptual de la Vivienda

Hoy en día, el concepto de vivienda y arquitectura van de la mano ante el concepto de mercadeo y consumo. Si bien es cierto que prevalece un crecimiento acelerado de la vivienda en todo estrato social, puede verse proporcionalmente a este crecimiento, un vacío creativo y funcional con la misma. Hoy en día, la vivienda ideal, el espacio de crecimiento social-individual que puede ser una vivienda familiar, ha pasado a convertirse en un listado de requerimientos mínimos, otorgado por una reglamentación municipal que no busca bajo ningún principio otorgar al futuro habitante de la misma, el confort psicológico, social y

Sobre la Apreciacion del Arte

El Ciclo COOC

¿Somos todos capaces de hacer arte?, SI, ¿somos todos capaces de entender el arte? NO, ¿somos todos capaces de juzgar lo que si es arte y lo que no es arte? SI, El hacer artístico, es un acto que permite, por medio de la creación y la observación, materializar la sensibilidad ante el mundo y ante las emociones que este nos provoca, permitiendo que por medio de la observación de la obra, otros puedan participar de la sensibilidad que dio lugar a la obra creada.Así, por medio del arte, del arte como medio espiritual, puede permitir al ser humano