Poesia y Cromosoma XX vrs el Todo

Bien dicen que juntar a los amigos de la novia con los del novio no siempre puede resultar agradable. Se suscitan reacciones que pueden ir desde la dispersión de la reunión,  hasta la anulación completa de mas de alguno de los asistentes a la reunión. Esto en el mejor de los casos. Otra reacción puede ser el choque entre ellos para desmerito de los anfitriones en si. Creo que algo así sucedió en la presentación Poesía versus Cromosoma XX. En este caso los “amigos de la novia” eran la poesía y “los amigos del novio” las presentaciones visuales quedando a la deriva un asistente mas, la DJ. (entiéndase esto como una analogía metafórica) Aun hoy mientras escribo estas anotaciones sobre la presentación, lo primero que viene a mi mente es ¿A quien tenia que poner atención? A la proyección fotográfica, a las poetas o a DJ G o al público atrincherado y amontonado que irrespetuosamente a sabiendas que era una lectura de poesía y narrativa no dejaban de murmurar, hablar, saludarse, como si se tratara de una reunión entre cuates anulando y faltándole respeto a los interpretes y al público que sí llegó a ver la presentación.  Conjugar distintas disciplinas expresivas en un mismo momento y presentación debe de llevar como punto de partida una armonización de cada una de ellas. Es decir, la poesía integrada a las imágenes, y la música a la poesía, y la fotografía a la música, y la fotografía a la poesía, y así sucesivamente generando una sola presentación y un solo ciclo armónico expresivo que permita al espectador entenderlo todo como eso, un Todo. Esto no se logro ni muy lejanamente en la presentación. Por un lado me sentía impulsado a la muestra fotográfica. Por otro a pararme de puntillas para ver a la oradora de turno, recordar su nombre y tratar de poner atención a lo que narraba o declamaba entre los cuchicheos de la gente alrededor que como mencionaba anteriormente, hablaban, se movían, cambiaban de lugar o se salían mientras todo lo demás quedaba como sonido de fondo. DJ G a mi parecer, creo que se llevo la peor parte. Integrar la música a la poesía y las imágenes era casi estratégico para amalgamar toda la presentación, sin embargo pude notar que luego de unos minutos se le solicitó relegar la música a servir solamente de introducción (como en una ceremonia de graduación) entre poeta y poeta o entre poema y poema. Luego, solo fue un fondo musical al final de la presentación que dio la idea de estar amenizando una fiesta electrónica y nada cercano a la idea que me imagino, era integrar la música a la presentación.

El teatro tras bastidores es un teatro pequeño. Un lugar pequeño puede ser un tormento para cualquier artista si no se maneja de forma adecuada.  Se debe empezar por respetar el limite de audiencia que puede estar en la presentación. Y sobre todo, luego de 10 minutos que inicia la presentación, cerrar las puertas, máxime si ya se llenó el límite de asistentes. ¿Esto porque? Para guardar la integridad de la presentación. Para permitir la concentración del artista y del espectador. Para permitir que se lleve a cabo aquello que se quiere lograr, una integración de las distintas disciplinas. De lo contrario no se hace nada. El mensaje queda entre cuchicheos y  una descripción sobre lo que sucedió se queda entre diálogos perdidos y una sensación claustrofobica de la presentación.

No puedo hablar exactamente de la obra de los artistas, de la poesía ni de la música porque no pude concentrarme en nada y no pude sentir nada de lo que en sus orígenes buscaban plasmar. Respeto a muchos de los artistas que se presentaron, tanto a los poetas como a las fotógrafas y a Dj G, sin embargo tendrá que ser en otra presentación que pueda hablar de la poesía o de la fotografía o de la música.

Por ultimo, ¿Qué realmente quería decir el nombre de la presentación? De ello valdría discutir un poco mas.

Auyon y la sintonia constante

Entre los pájaros cantores y los cargadores de “escaleras”, los colores tierra parecen disiparse al considerar que mas allá de aquella penumbra de la humanidad, existe siempre la interrogante hacia el lugar donde terminan por resolverse nuestros cuestionamientos. A Auyon puedo imaginarlo como un niño que sube a una escalera esperando ver que es lo que hay detrás del muro ¿o mundo? Lo veo como el joven que cierra los ojos y se retira en la soledad de su pensamiento ante cualquier trifulca o problema turbulento. Puede ser el poeta, el poeta sin palabras que se sube a la silla a pregonar lirismos, canciones cortas y refranes milenarios. Ahí esta él, como quien deja en sus trazos toda esa penumbra que muchas veces baila en nuestros pensamientos y nos hace necesario, casi inmediatamente necesario, llevar a cabo un exorcismo continua de nuestros pensamientos. Como botar ese saco a cuestas que día a día mientras de niño jugábamos a ser nada y simplemente vivir, nuestros padres, nuestros maestros, nuestras autoridades y nuestra sociedad se encargaron de llenar de suciedades abstractas al grado que poco a poco se tornaría una joroba continua tratando de empujar nuestros sentimientos a este piso del que tratamos de elevarnos con fin de llegar algún día al cielo. Al cielo y las estrellas como muchas veces lo comento él. Con Auyon eso fue un poco de lo que hicimos cada día que tuvimos un momento para conversar. Para hablar. Para no decir nada. Para retarnos. Retarnos en nuestras discusiones. Como dos científicos del espíritu que refuta uno al otro para poder posicionar una verdad mentirosa en medio de una conversación perdida. Auyon era muy mentiroso en sus verdades espirituales. Su mentira era la realidad de una fantasía. Esa fantasía de nivel ”fantástico” y mítico. La mentira fantástica regla de todo tipo de realidad. Pues es a partir de la fantasía, producto de nuestro mayor poder como es la imaginación, que podemos ver mas allá de estas barreras mundanas que día a día nos dictan y nos dicen que hacer. Es así como en nuestras conversaciones, divagamos etéreamente entre los cosmos y los profetas, entre los inmortales y los músicos, entre las reglas del mundo y las reglas religiosas. Hablamos de humanos y mujeres. De dioses y Diosas. De universos y trascendencia, de todo aquello que implicaba ser en lo más profundo, el eterno problema de la existencia: la existencia en si misma.

Auyon en su obra era una eterna noche del alma. Noche que decidió un día empezar a transformar. Aprendiendo a amar la luna solitaria, o las estrellas infinitas. Por eso era un pájaro de alas amarradas, un yaciente en medio de su familia y amigos. Era ese cargador que anda día a día con el saco de ilusiones a cuestas. Ilusiones desechadas un día y guardadas a sus espaldas para que luego de haber pasado esa noche, pudiera en el día echarlas a relucir. Era así como uno que otro día, entre platica y platica, contaba y sacaba del saco una de esas tantas ideas. Una de tantas esperanzas. Una de tantas ilusiones. Todas para apreciarlas como quien aprecia esos artefactos que el recuerdo nos deja tras el paso de los años. La mostraba con sus manos y la describía con sus palabras. La elogiaba a veces y otras, confesaba haberlas odiado desde el momento en que se había enamorado de ella. Y ahí, en su obra física, se quedaba la sobra de esos pensamientos. Plasmado en la eterna noche de los colores ocres y el sabor a tierra y antaño que puede dejarnos al verlo.

Un día de tantos, en medio de esas conversaciones a la nada, hablamos de aquello que podía ser un punto de partida para buscar en la vida. El en un momento determinado dijo paz. “sabe principe, usted lo que debe buscar es paz, no felicidad”. Lo dijo en ese momento como un descubrimiento que ya tiempo atrás estaba contemplando. No la paz del mundo ni esas utopías que a diario se nos hacen ver o esperar. Era la paz de la nada. La paz de no existir. De saber que la no existencia podía llevarnos a esa noche eterna en la que sí, efectivamente, podíamos tocarlo todo y a la vez no estar en nada. Conocí la obra de Auyon en sus últimos años. La conocí en su batalla final. En el momento en que iniciaba a enfrentar el desenlace de sus interrogantes. Es por esto que ahora que la veo, puedo pensar que fue su testamento final. Los diarios de guerra. Los últimos amparos a la vida. Las últimas negociaciones de reconciliación con este mundo. Las razones para dejarlo todo. La conclusión final a toda una vida de confrontación con el imaginario de las artes y la reivindicación intelectual. Al final, la paz era el su conclusión. Las teorías, los pensamientos, las divagaciones, solo darían un tormento más que soportar.

Los cargadores de Auyon es lo que en cualquier momento vendrá a mi mente en el momento que pueda llegar él a mis pensamientos. Las escaleras serán elementos aislados, solitarios, quizás porque finalmente nunca las quiso subir. Sin embargo, mas allá de lo que pude ver en su obra plástica, Auyon será esa persona con la me crucé un par de veces antes de conocerlo y pude leer en su mirada ese profundo vacío hacia la nada total. Como si ambos en medio de un desierto y en medio de una batalla, a pesar de no conocernos y sabiendo que quizás podríamos ser enemigos antes que amigos, consideráramos qué la guerra es inútil, y entonces simplemente tratamos de hacer una tregua y procuramos escapar de ella. Puedo dudar en estos momentos sobre la realidad de quien se ha ido. Si yo o el, o nadie realmente.

Cuando pensé en la obra que podría dedicar al homenaje de su persona, lo único que vino a mi mente fue su obra en si misma. Su caligrafía espectral que muchas veces plasmó en hojas de papel de todo tipo, comunicando algo que siempre era igual. Que siempre se manifestaba en remolinos y turbulentos trazos formando en medio de ese huracán de pensamientos, una idea sublime y utópica que en el fondo hubiera sido para el, la salvación de su relación entre su experiencia y esta vida desconocida. Yo, solo hice un pequeño aporte. Fue un poco de color y secularización… y el nombre que quizás en el fondo, el consideraría podría ser indicado: Saint German Radio A. Una frecuencia eterna que seguirá sonando por el resto de la existencia de muchos.

La Desaparicion de “La Novia” de Margarita Azurdia

El dia 3 de abril se llevo a cabo en el Centro Cultural Metropolitano, la exposición Margarita Azurdia, en homenaje a la obra de dicha autora. Dos días despues, las autoridades del Centro Cultural Metropolitano notaron la falta de una de las piezas expuestas. Una semana despues, daban a la directora de la fundación de Margarita Azurdia, la noticia del robo de una de las piezas o si no lo era así, la desaparición por razones desconocidas de la misma. El nombre de la pieza: “La Novia” que forma parte de una colección personal de la fundación que ella dejó luego de su muerte. Hoy La Novia ha de andar secuestrada en manos de algun coleccionista, un fanatico de la artista o un simple, vulgar y oscuro comerciante de arte. ¿Qué hacer? ¿Por donde empezar?. Aunque este hecho quedó totalmente fuera del dominio público, creo que aquellos que apreciamos el valor de la obra de cualquier creador, sabemos de lo grave y delicado que es un hecho de este tipo, sobre todo en un lugar que durante los últimos años ha apoyado y dado lugar a muchos artistas para llevar a cabo su labor creadora. Pienso que buscar responsables y echar culpas no es la razon de este escrito. El único responsable a todas claras es la persona que llevó a cabo el hurto o desaparición de la obra. El malechor siempre es el responsable. Sin embargo, saberlo y estar concientes de como tambien el arte no esta libre este tipo de acciones, es un punto de partida que se debe tomarse en cuenta para casos futuros. La prevención, es el otro punto a considerar. A veces puede verse una sensación de liviandad en las exposiciones como quien dice que nadie va a robar o dañar un cuadro u obra artista. El malechor y el ladrón debemos saber que tiene caras distintas, y no solo es aquel que asalta un bus urbano o secuestra a una persona. Que desaparezca una pieza de arte que ha quedado como patrimonio de una artista que dejó su huella en la historia del arte de guatemala, es tan grave como el acto de robar una reliquia o una antigüedad. ¿Estan haciendo algo las autoridades respectivas empezando por aquellas que cobijaron la exposicion para llegar a encontrar un responsable o una explicacion a lo sucedido?. Según pude platicar con la directora de la fundacion de Margarita Azurdia, aun no tiene noticia de algún procedimiento concreto por medio del cual se esté buscando dar con la persona responsable de la desaparición de la obra. La Novia era una pieza no valuada, lo cual puede complicar el proceso de investigacion, o por el contrario, cerrar el circulo de posibles protagonistas. Creo que las autoridades del Centro Cultural deben sobre todo apoyar la busqueda de los culpables de forma competente a modo de evitar este tipo de hechos, haya sido hurto o haya sido lo que sea. Cuando sucede algo así y resulta que no hay una voluntad de solucionar el problema, o simplemente se deja en el olvido como algo que esperamos no vuelva a pasar y solo se ofrece una disculpa y explicaciones al aire, es porque no se esta tomando en serio o con gravedad el hecho de respetar y proteger la obra del artista. Esto no hablando unicamente de este Centro Cultural. Es hablando de las personas encargadas de la organización de este tipo de eventos. Muchas veces el artista cae lastimosamente en la actitud condescendiente con tal de poder exponer su obra. La desvaloriza y se presta a soportar la indiferencia de los organizadores que va desde el maltrato o el irrespeto de las indicaciones de la obra, hasta el descuido de la seguridad en la misma. Esto solo esta en manos del artista que se haga respetar. El caso de La Novia de Margarita Azurdia cuya obra ha dejado un valor en el arte de Guatemala, histórico y referente, no debe quedarse simplemente en el aire. Debe llevarse a cabo una solución clara que vaya mas allá que la reposición de la obra por medio de una ¡replica! según ofrecieron (¡!) . Deben esclarecerse las cosas. Al menos tomar medidas al respecto. Y son sobre todo las autoridades del Centro Cultural Metropolitano, quienes deben dar el primer paso para ello. La reputación que tiene este Centro Cultural de apoyo y respeto al artista no debe de ponerse en juego con una actitud pasiva. Deben marcar precedentes.

HORROR VACUI Y LA LIBERTINA IMPUNIDAD ARTISTICA DEL PERFORMANCE

1era parte

Tuve la oportunidad de presenciar algunos de los perfomances presentados por varios interpretes expresivos durante la muestra Los Desaparecidos en las instalaciones de la Cooperación Española en Antigua. Mi sensación no fue para menos: Horror Vacui Total, pero no del que se pretendió mostrar. Fue Horror Vacui por el vacío conceptual, estético, creativo, propositivo, contextual, profesional e interpretativo de cada una de las muestras que vi. (Desistí de ver el resto ante el panorama que presumí se proyectaba debido a los antecedentes vistos). Vale la pena indicar antes que nada que la muestra plástica de obras expuesta por distintos interpretes de Latinoamérica estuvo a la altura en su calidad estética, conceptual e objetiva. De ello no cabe duda. La diferencia, el contraste y la oscuridad vino de los performances y el supuesto accionismo que llevaron a cabo distintos interpretes expresivos durante el ultimo fin de semana. ¿Razón de ello? El impune libertinaje del perfomance y accionismo. ¿Por qué impune y por que libertinaje? Porque todos pueden hacer lo que quieren y tienen el perdón de ser artistas, lo cual les exime de toda culpa de falta de creatividad, talento o capacidad. En quien termina por recaer esta culpa es en el observador, ya sea por que se siente burlado ante lo que esta viendo, ya sea por que se siente culpable de no tener la capacidad de entender y descifrar los desordenes interpretativos que la obra refleja. Pareciera ser, y espero no resultar muy agresivo, que este tipo de expresiones no han hecho mas que propiciar una oleada de mediocridad artística en nuestro medio. Una mediocridad abanderada en el supuesto romántico imaginario que el arte conceptual abraza con sus límites ambiguos y subjetivos. Todo es valido. Nada es valido. Todo es bueno. Nada es bueno. Lo provocador. Lo sucio. Lo bello. Lo estupido. Lo ridículo. Lo malvado. La burla. Lo insulso y soso. Todo es arte. Aunque nadie lo entienda. Aunque nadie lo sienta. Creo que estamos cayendo en un error. Sobre todo, por que pude notar en muchos espectadores que acudieron a estos performances una especie de consideración paternalista con el artista como de quien dice: ¨Son artistas¨. Yo, particularmente, solo por que no cobraron la entrada no pedí que me devolvieran el dinero. Debo ser claro en que aquí el problema no es el medio de expresión, es decir el performance o accionismo como medio. He tenido experiencia de presenciar performances de todo tipo en otras ocasiones y no desvalorizo en ningún sentido su valor expresivo e importancia interpretiva que este medio tiene. El horror vacui de estos performances presentados el pasado fin de semana, radica en esa aura sacralizada que se le da a esta tendencia ya sea por provocativa, por progresista o por emancipada que termina por acomodar al expresionista en resultados que bajo cualquier punto de vista se muestran vacíos en su calidad interpretativa, estética, conceptual y comunicativa. Es decir, acciones vacías que no dicen nada. No dejan nada. No motivan a nada. Todas ellas respaldadas por una descripción ambiciosa e intelectualizada de conceptos e ideas que al final contrasta con la realidad interpretada y resultante. Y si bien los resultados pueden ser decepcionantes, mas aun lo es discutir del tema. Porque siendo el performance un medio en el cual todo es un medio de expresión, el cuerpo, y la retórica, y la demagogia, y la contextualización, y la guerra, y la época, y la sociedad, y el sinfín de etcs. lo justifican, entonces no es posible colocarlo en ninguna posición critica y discutible siendo totalmente impune a cualquier opinión sobre ella. ¿Como calificar entonces algo según lo cual es valido todo y nada puede cuestionarse?…El poder absoluto al servicio del ego del creador.

Cualquier tipo de interpretación de estos medios contemporáneos de expresión, ya sea performance, accionismo o sus derivados, pierden totalmente su función si no logra captar, provocar e incursionar en el conciente y subconsciente del espectador. Hacer cosas raras y extrañas es sencillo. Hablar y comunicarse con el público es lo que requiere trabajo, y si sobre esto se sabe manejar la obra con estética, creatividad y maestría, entonces tenemos realmente una propuesta significativa y valiosa. Todo lo contrario percibí en la muestra de este pasado fin de semana. Un vació absoluto en cada presentación y para aunar mas la decepción, en muchos casos, una falta de calidad estética y profesionalismo por parte de los interpretes. De esto hablaré en la segunda parte de este artículo especificando el caso particular de cada uno de los intérpretes que presencié.

A veces pienso que el performance muchos lo interpretan como un culto que justifica lo chusco, informal, molesto, improvisado, escandaloso, ridículo, insulso, soso y desagradable. Es un error si quien utiliza este medio busca encontrar en estos elementos provocación y atención del espectador. Como mencionaba atrás, ahí radica el libertinaje molesto que este medio se ha auto-impuesto o se lo han impuesto los defensores de este medio. ¿Por qué? Porque si bien en su momento significó el estallido de una serie de presiones en el subconsciente colectivo de su época, hoy solo da la impresión que es una muestra cansada de ideologías muertas, acabadas y carentes de sustento conceptual y teórico. De ello resulta que este es su modo de mostrarse alternativo o revolucionario para un publico saturado gráficamente de imágenes, programaciones rutilantes y todo tipo de información que ensordece impertinentemente su atención como espectador. Creo que esto mas que acercar al espectador lo aleja. Lo aleja por ser inentendible. Por resultar en muchas ocasiones molesto y escandaloso. Por intelectualizarse y enclaustrarse en un circulo cerrado. Se convierte en el traje del sastre que todos tienen que aplaudir para no parecer idiotas ante el rey.

Por ultimo quiero aclarar nuevamente que el problema no es el metodo, es decir el Performance y sus semejantes como medio. Al contrario. Este medio por principio tiene como instrumento el universo de posibilidades para crear. A diferencia de otras disciplinas que se encuentran severamente limitadas por la técnica, como pueden ser las bellas artes, el Performance no tiene límites. Y si bien es ese es el mayor peligro ante el que se enfrenta el intérprete, es también su mayor riqueza. Por tanto ¿Por qué no explotar estas riquezas? ¿Por qué seguir utilizando las viejas recetas que se hicieron hace 50 o mas años? Recetas de cocina como desnudarse, mancharse el cuerpo, vestirse de negro, quitarse la ropa, o simplemente no hacer nada. ¿!!!? Y sobre todo, ¿Por qué tiene que ser chusco, descompuesto y soso para esperar provocar una reacción? ¿A veces me pregunto cuando veo estas presentaciones ¿Estamos tan enajenados que ya la belleza no nos conmueve ni la buscamos? ¿Nos aburre? ¿Acaso hemos perdido la sensibilidad y la capacidad de asombro ante lo bello, rico, edificador y armonioso? ¿Acaso eso ya quedo relegado al pasado por que se hizo en su momento? ¿No volveremos algún día a ver en las presentaciones artísticas, propuestas armónicas, frescas y nuevas? ¿No seria acaso mejor que para concientizar sobre el dolor y el sufrimiento que vivió nuestra sociedad y sociedades semejantes, se usara el mensaje que su antitesis representa? Es decir, todo aquello que se opone a la violencia, la cultura de muerte y el dolor. La luz, para iluminar la oscuridad, y no la oscuridad repleta de cachivaches viejos que nos puedan hacer tropezar de nuevo.

Mundo Capitol y la fotografia vana

Hace una semana, tuve la oportunidad de ver algunas de las muestras de la Exposición Fotográfica que se llevo a cabo en el Arte Centro Graciela Andrade de Paiz, titulada Mundo Capitol. En estos momentos mientras escribo sobre la muestra, aun no estoy seguro que es lo que no me gustó. Creo que en el fondo,  es la cuestión de la vacuidad expresiva. Vamos a tratar de definirlo de forma mas precisa: El tema a tratar, Mundo Capitol, es todo un universo de opciones, que debería haberse aprovechado de forma creativa y no únicamente a nivel de técnica. En la muestra puedo observar el buen desempeño técnico por parte de los artistas, tanto en el manejo de la luz como de la  composición. Digamos que lo básico. Lo necesario.  Sin embargo, sobre creatividad, imaginación y conceptualización de la iconografía y antropormofología social del lugar, no vi nada. Mas bien, fue como ver retratados los clásicos clichés que todos conocemos y que nos harían pensar que el Capitol es ese símbolo urbano que encierra lo que socialmente puede ser una convergencia cronológica y cultural dinámica.

Quien ha estado en el Capitol y quien ha recordado el Capitol y quien ha ido a comer, a ver una película o a recorrer sus pasillos una tarde cualquiera, puede darse cuenta que el Capitol es mas que eso que a diario sucede y cuyos protagonistas hacen interesante. Entre líneas, existen otros símbolos mas fuertes y perennes que lo que a simple vista podemos visualizar. Mostrar a peluqueros o trasvestis, considero que es casi como utilizar el recurso sensacionalista para captar la atención y empapar la fotografía de lo obvio y no lo creativo. Es ahí donde siento el gran vació que me dejó la muestra. No había nada que nadie pueda sentir sin necesidad de una fotografía. Creo que la fotografía, hoy como recurso artístico y expresivo, debe explotarse a un nivel mas exigente. No conformarnos con sacar una mirada interesante que puede ser de cualquiera. No jugar con claroscuros utilizando modelos pintorescos como puede verse en una peluquera, en  un payaso de la calle o en una maquina expendedora de dulces. Es mas que eso.  Es ir a explorar esos símbolos. Desmembrarlos en su composición figurativa y trabajarlos compositivamente sobre un escenario puro. Diseccionar el espacio, la escena y los componentes. Atravesar las dimensiones reales y  “filosoficar” la imagen mas allá de la percepción obvia y natural que nos muestra. En un mundo inundado de imágenes vanas y superficiales, no podemos conformarnos ante una propuesta expresiva que nos diga lo que todos sabemos. Basta con tomar una revista cualquiera para ver que la fotografía en su esencia básica, ha quedado relegada a ser un medio visual simple y que su valor expresivo a nivel artístico debe ir mas allá de su mera función grafica y utilitaria.  De lo contrario simplemente serán imágenes VANAS. Momentos congelados que dejaron su mensaje en el papel sin poder transmitirlo al espectador. No se trata tampoco de hacer cosas extrañas e inentendibles, antiestéticas o irreverentes. Esto seria como caer en el mismo sensacionalismo que consiste la utilización de clichés obvios que sabemos que tienen relevancia en la percepción del espectador. Se trata de encontrar un lenguaje mas básico, pero mas profundo. El símbolo de la escena en su esencia pura. Si algo que vemos en la calle llama nuestra atención, debemos explorar su significado. Cual es su mensaje entre líneas. Que hay mas allá de lo que percibimos directamente. Luego de captar este mensaje, el artista deberá encontrar el código perfecto para mostrarlo. Para esto, los medios son infinitos y las opciones igual. La tarea esta en encontrarlos. He ahí el valor creativo y propositito de la expresión artística. Del quehacer artístico.

 

La técnica y el manejo del instrumento pueden ser prodigiosos. Sin embargo, si el mensaje es soso y trillado, caemos en tener una expresión alienada al bagaje visual que todos los días nos invade la publicidad, los periódicos y la folleteria.

La etérea imagen vana.

Festival de Danza en Guatemala

(Día internacional de la Danza)

 

El pasado 29 de abril se celebro en Guatemala el día internacional de la danza. En un desplegado público en el parque de la Constitución, escuelas y grupos de danzas de distintas partes y regiones del país, dieron un Show que puede decirse que mostró al público la importancia de esta rama artística en la percepción de la comunidad general. Por que es importante que sepamos que el arte es una opción en nuestro país. Que es algo tan importante como el trabajo o la familia. Como entretenerse o tratar de sobrevivir una crisis. Que quizás incluso, nos abre para poder crecer y creciendo mejorar esa otra parte que solo vive para arrastrarnos a la rutina adormilante de cada día. La danza, suele ser en muchos casos, ese arte extraño que a escondidas o en lugares remotos se lleva a cabo. Muchas veces considerado elitista, o en otras muy de mode. Otras tantas, un adorno politizado para abrir o celebrar días festivos. ¿Podemos ahora sentarnos a simplemente degustar de una velada de danza sin ningún contexto mas que la belleza estética del movimiento corporal y la dinámica musical? Antes que nada, creo que al igual como en cualquier otra rama del arte, por ahí debe ir el camino de estas disciplinas. El gusto. El simple gusto del observador.

Durante el festival se tocaron distintos ritmos y géneros de danza. Algunos, mostraron una secularización acertada por medio de la incorporación del folclor a  la danza y música moderna. También hubieron otros, que siendo de carácter contemporáneo, dejaron muchos vacíos creativos y coreográficos en su presentación. Por otro lado, se encontraban las escuelas de danza en la que participaron niños, quienes dieron un espectáculo sobrio y prometedor. La conjugación entre la suavidad estética que la niñez  en si misma implica y el trabajo de obras clásicas  fueron suficientes para lograr una armonía simple, buena para cualquier espectador. Como puede suceder en todo tipo de evento, siempre existen los contratiempos. El problema suscitado con la música,  durante la presentación del grupo que representó una interpretación de la tradición del 1ero de Noviembre en San Juan, quienes mostraron una obra sumamente original que captó en todos nosotros nuestra atención y  la cual todos esperábamos ver concluida como sus participantes lo habían planificado, fue una pena, aun a sabiendas que problemas técnicos siempre pueden suceder en todo tipo de evento y que deben ser, una vez que suceden, una enseñanza a los equipos de logística tanto de los grupos participantes como para los productores, a fin de evitar que vuelvan a suceder en representaciones futuras. Todo es una enseñanza, y los mismos participantes de los distintos grupos de danza, teatro, música etc, lo saben cuando en algún momento cometen un destiempo o un error sobre el escenario. Todo sirve para mejorar. Siempre teniendo la idea que ese es el fin del trabajo. Perfeccionarnos en creatividad y destreza. Exigirnos y exigir al público que nos exijan.

Hoy la  danza ha salido  desfilando con banda y todo por la calle. Y llegó al parque y a la gente. Salió para mostrar que el ritmo y el movimiento es para todos. Que el ritmo no es solo aquello que nos hace movernos en un momento de fiesta o alegría. Lo que nos hace seguir una rutina diaria ante la cual bailamos involuntariamente. El ritmo y el baile también puede ser un momento de silencio y meditación en el cual podemos sentarnos a observar y apreciar a todos estos artistas diciéndonos algo. Diciéndonoslo por medio de su creatividad, interpretación y movimiento corporal. Hablándonos con movimiento y música. Y nosotros compartiremos su energía. Así como hoy, que entre los grupos que participaron, estuvo aquel que nos regaló su silencio zapateando y moviéndose al viento para que nosotros con las manos levantadas al cielo, pudiéramos decirles que el lenguaje universal va mas allá de lo físico. Esta en nuestro espíritu.

Felicitaciones a quienes organizan estos eventos. A los artistas que participan, y al público que escucha.

El arte es una responsabilidad de todos.