Una Bienal Renovada con ideas Viejas y Muertas

Este año en su 16 edición la Bienal de Arte Paiz hizo un giro de 180 grados con respecto a su estructura e interfase al público, así como en su logística y selección de obra que de muchas formas, ha dado de que hablar tanto para bien como para mal. Creo que si todo cambio es para bien, hacer un juicio en este momento sobre si ha sido o no ha sido acertado este cambio, es todavía muy temprano. Creo que será hasta dentro de unos años, luego de ver hacia donde evoluciona, que podremos decir algo al respecto.

Por otro lado, creo que sí se hace menester hacer algunas observaciones con respecto a la obra concursante, la cual sí tiene mucho que debe de ponerse en tela de juicio, sobre todo si esta obra expuesta representaba parte del cambio que la bienal quería mostrar o aspiraba lograr evolucionar.

Lo resumiré con el titulo de este artículo. Ha sido una Bienal renovada con ideas viejas y muertas. La otra vez analizábamos con un grupo de artistas sobre el tema, y concluíamos que ya es hora de enterrar muchas preconcepciones, juicios y paternalismos en el quehacer artístico que solo están propiciando el estancamiento en la expresión artística y por otro lado, mostrando una propuesta totalmente contaminada de clichés “vanguardistas”, ideológicos y demagógicos. Muestra de ello pudo verse en casi un 80 por ciento de la muestra de la Bienal. Obra estancada, enclicherada o simplemente recurrentemente monótona.

Me pregunto: ¿Cuándo dejaremos de seguir incubando el mismo huevo que empollamos hace 20, 30 o 40 años? ¿No acabarnos la sopa para no probar otro plato? Decepciona ver que luego de 20 años en que de nuevo surgía un atisbo de vanguardia en el medio artístico, se siga repitiendo lo mismo como si fuera una condena o un karma creativo entre los artistas. Mucha de la responsabilidad (si no es que toda) radica, como desde décadas atrás se fue desarrollando el fenómeno en otras sociedades, en que se ha excluido de la estructura mediática del arte, al publico y observador común de la obra. Ahora para el artista no existe mas público que el crítico el curador. De pasar a ser un trovador de la gente, se convierte y aspira a ser el arlequino del rey, para el rey y su corte.

La bienal cambio todo su disfraz y su uniforme, pero siguió manteniendo el mismo cuerpo y la misma mente. Un cuerpo ya viejo y enfermo. Los mismos intereses y los mismos vicios. Una demagogia que ya en este tercer milenio, es obsoleta, marchita, árida e infértil. No significa esto que los artistas de antes ya no pueden proponer. Tampoco significa que los nuevos artistas son los únicos que pueden proponer. Significa que el mensaje, la expresión y los medios para expresarse deben evolucionar a la misma velocidad con que evoluciona el público al que pertenece esa sociedad en la cual se ve sumergido el artista o el expresador. No podemos como artistas seguir cantando un mensaje de hace 15 o 30 años mientras ahora ya no se canta y ya no se buscan mensajes. Sin embargo, cuando el mensaje no es mas que un tiro dirigido un grupo reducido y especifico, podemos seguir cantando la misma canción, con que años atrás seducimos a la novia.

De esto resumo algunas de las obras que llamaron mi atención por la falta de concepto, temática y calidad, así como creatividad, profundidad, estudio, profesionalismo y un sin fin de etcéteras que no hacen mas que dejar ver ese aridez e infertilidad en la propuesta que hoy en día aqueja el panorama expresivo en Guatemala y que solo encuentra sustento en el apellido del artista, en los premios ganados en certámenes anteriores o en racionamientos intelectualizados que como la obra que describen, no dicen nada. Algunas de estas obras:

El video de una mujer que se deja patear durante unos segundos para mostrar algo ???

Largos lienzos de tela colgados manchados de sangre que luego dieron de que hablar por los mojigatos intentos de censura de uno de los espacios de la Bienal.

Colecciones de fotografías de cualquier lugar de Guatemala que no dicen nada. Para ello basta con ver el periódico. Fotografía vana.

¿Una balanza con un reloj?

Un video de dos personas atadas jalándose de un lado a otro.

Un lienzo en blanco al que el artista le arrojó piedras con pintura untada que luego fueron puestas en el mismo orden en un manto en el piso.

Un trofeo con el tema recurrente, oportunista y liviano de la guerra.

Un muro con palabras calcadas hablando sobre la culpa

Un semi-volcán de papel estrujado y arrugado diciendo nada.

¿Un charco?

Intelectualmente o racionalmente, pueden justificarse este tipo de obras. Como ahora todo es válido entonces queda en desperdicio la discusión. Todo es válido cuando resulta que se ha roto el paradigma de que el arte tiene que ser algo. Cuando se le da al arte el pasaporte diplomático de ser una expresión libre, todo puede caber. Todo puede valer. Se vuelve el objeto de consumo fashion para las galerías y los curadores. Su propio objeto del deseo. Resulta que la vanguardia lo implica todo y sirve para todo, entonces todo es válido. Todo se vuelve una marca y se puede explotar. Sobre todo el nombre del artista. Su instrumento eterno del ego. El ego, como instrumento del quehacer artístico. El público como el esclavo espectador que tiene que conformarse con las migajas. Con las sobras. Con las costillas del ternero. Esto sucede así cuando se excluye olímpicamente al publico y real espectador de la obra. Cuando el valor de la expresión solo queda a criterio del índice que apunta para arriba o para abajo. La dictadura total del arte.

El problema de la crítica del arte es cuando se intelectualiza y se racionaliza con emblemas de otras culturas, tiempos o pensamientos. En un país analfabeta culturalmente como Guatemala puede ser lógico que lo que se muestra pueda convencer. Ese precisamente debe ser el Karma que se debe erradicar, enterrar o desterrar. Me pregunto a veces, ¿ya le gustó al arte de Guatemala vivir narcotizado?

Pareciera que luego de esta bienal, nos seguimos mostrando al mundo y a nosotros mismos como una cultura primitiva, provinciana e ingenua de la cual, solo puede sentirse admiración por su folclor inocente y descontextualizado. Ignorante sobre lo que le esta pasando frente a sus narices en este momento. Todo esto gracias al paternalismo artístico.

Finalmente, es necesario aplaudir a ese otro 20 por ciento de la obra en la Bienal que SI esta demostrando una mirada más fresca y limpia hacia donde proyectar la expresión humana.

Poesia y Cromosoma XX vrs el Todo

Bien dicen que juntar a los amigos de la novia con los del novio no siempre puede resultar agradable. Se suscitan reacciones que pueden ir desde la dispersión de la reunión,  hasta la anulación completa de mas de alguno de los asistentes a la reunión. Esto en el mejor de los casos. Otra reacción puede ser el choque entre ellos para desmerito de los anfitriones en si. Creo que algo así sucedió en la presentación Poesía versus Cromosoma XX. En este caso los “amigos de la novia” eran la poesía y “los amigos del novio” las presentaciones visuales quedando a la deriva un asistente mas, la DJ. (entiéndase esto como una analogía metafórica) Aun hoy mientras escribo estas anotaciones sobre la presentación, lo primero que viene a mi mente es ¿A quien tenia que poner atención? A la proyección fotográfica, a las poetas o a DJ G o al público atrincherado y amontonado que irrespetuosamente a sabiendas que era una lectura de poesía y narrativa no dejaban de murmurar, hablar, saludarse, como si se tratara de una reunión entre cuates anulando y faltándole respeto a los interpretes y al público que sí llegó a ver la presentación.  Conjugar distintas disciplinas expresivas en un mismo momento y presentación debe de llevar como punto de partida una armonización de cada una de ellas. Es decir, la poesía integrada a las imágenes, y la música a la poesía, y la fotografía a la música, y la fotografía a la poesía, y así sucesivamente generando una sola presentación y un solo ciclo armónico expresivo que permita al espectador entenderlo todo como eso, un Todo. Esto no se logro ni muy lejanamente en la presentación. Por un lado me sentía impulsado a la muestra fotográfica. Por otro a pararme de puntillas para ver a la oradora de turno, recordar su nombre y tratar de poner atención a lo que narraba o declamaba entre los cuchicheos de la gente alrededor que como mencionaba anteriormente, hablaban, se movían, cambiaban de lugar o se salían mientras todo lo demás quedaba como sonido de fondo. DJ G a mi parecer, creo que se llevo la peor parte. Integrar la música a la poesía y las imágenes era casi estratégico para amalgamar toda la presentación, sin embargo pude notar que luego de unos minutos se le solicitó relegar la música a servir solamente de introducción (como en una ceremonia de graduación) entre poeta y poeta o entre poema y poema. Luego, solo fue un fondo musical al final de la presentación que dio la idea de estar amenizando una fiesta electrónica y nada cercano a la idea que me imagino, era integrar la música a la presentación.

El teatro tras bastidores es un teatro pequeño. Un lugar pequeño puede ser un tormento para cualquier artista si no se maneja de forma adecuada.  Se debe empezar por respetar el limite de audiencia que puede estar en la presentación. Y sobre todo, luego de 10 minutos que inicia la presentación, cerrar las puertas, máxime si ya se llenó el límite de asistentes. ¿Esto porque? Para guardar la integridad de la presentación. Para permitir la concentración del artista y del espectador. Para permitir que se lleve a cabo aquello que se quiere lograr, una integración de las distintas disciplinas. De lo contrario no se hace nada. El mensaje queda entre cuchicheos y  una descripción sobre lo que sucedió se queda entre diálogos perdidos y una sensación claustrofobica de la presentación.

No puedo hablar exactamente de la obra de los artistas, de la poesía ni de la música porque no pude concentrarme en nada y no pude sentir nada de lo que en sus orígenes buscaban plasmar. Respeto a muchos de los artistas que se presentaron, tanto a los poetas como a las fotógrafas y a Dj G, sin embargo tendrá que ser en otra presentación que pueda hablar de la poesía o de la fotografía o de la música.

Por ultimo, ¿Qué realmente quería decir el nombre de la presentación? De ello valdría discutir un poco mas.

La parabola del Sastre y la Apreciacion del Arte

Cuenta una vieja fabula acerca de un sastre que fue contratado por un rey para que le hiciera el traje que luciría el día de su cumpleaños. Por circunstancias que en este caso no interesan mencionar, resultó que el sastre se vió en la incapacidad de cumplir con el encargo del rey y llegando el día en que debía de entregar el traje, tuvo que recurrir a una idea que no deja de ser ingeniosa y para fines de este análisis, propicia para describir una actitud arraigada en una conducta programada del ser humano con respecto al arte. Con destreza en su forma de exponerlo, el sastre logró convencer al Rey que le había confeccionado una obra maestra en belleza, moda y logro científico: un traje invisible, el cual además de esta característica totalmente maravillosa, era un instrumento que permitía medir la inteligencia y el conocimiento de todo aquel que lo observara. En pocas palabras, solamente el inteligente seria capaz de apreciar el traje, y aquel que careciera de inteligencia, terminaría no viendo nada, es decir, al rey en cueros. El rey, claramente, en su condición de soberano y ejemplo de altitud y virtudes intelectuales ante el pueblo, no podía menos que decir lo bello y gratificado que estaba con aquel trabajo que el sastre entregaba en sus manos. Es así como no pensando mas que en su propia inteligencia (la cual seguramente no era mucha) salió triunfalmente a las calles, y no pudo esperarse otra cosa que la risa de todo el pueblo, y con ellas, la consecuente humillación de su persona.

Tres elementos pueden desglosarse en este relato: primero el papel del sastre ( o supuesto creador) que ante la necesidad de encontrar una solución que lo salvara de morir por causas del caprichoso líder, pudo concebir la forma de tomar partido de aquello mismo que seria la causa de su desgracia: la mentalidad bruta y poco inteligente del rey. El segundo elemento es el mismo rey, que careciendo precisamente de una apreciación clara de su condición y la condición de los demás, no tiene otra opción que aceptar aquello que no puede refutar, ya que si bien es capaz de refutar cualquier otra cuestión referente a decisiones de poder y fuerza, aquellas que se le muestran abstractas y poco graficas le resultan difícil de analizar y se ve por tanto sin potestad para poder decidir sobre ello. Es por esto que toma la decisión confiando en sus súbditos y como único apoyo a su decisión pone de testigo a toda la corte. Con la corte llega el tercer elemento, y sobre este tercer elemento se da punto de partida a este estudio sobre un comportamiento discutible de la apreciación del arte. La corte, ante el miedo y el temor que supondría contradecir al rey, y de acuerdo a querer mantener su posición de lealtad y privilegios junto al mandatario, cede a la mentira que el sastre le ofrece y aprueba la decisión del rey, considerándolo inteligente en la opción que toma y además, llenándolo de adulaciones ante lo que no entiende y saben es una completa farsa. Muchas deducciones pueden tomarse de esta fabula, muchas deducciones y analogías aplicadas a muchas actitudes de la conducta humana en distintas condiciones y expresiones. En este caso, únicamente concierne la referente con la apreciación del Arte: La del observador de la obra de arte cuando se convierte en adulador de un payaso.

Poco, mucho o nada puede hablarse sobre la apreciación artística. Que es bueno o que es malo. Esto también considerando que el término bueno o malo no es un parámetro de valorización y menos de apreciación. En este caso solamente es un referente a la bipolaridad de la percepcion artística. Pueden deducirse elementos de carácter técnico y compositivo, matemáticos, o cromáticos, elementos que pueden ser medidos con parámetros objetivos y concretos, sin embargo, la obra de arte, es un objeto compuesto de dos naturalezas: La objetiva (que da lugar a su forma y apariencia la cual actúa hacia nuestros sentidos) y la subjetiva (el valor intrínseco de la misma que solo propone el creador y el apreciador) Una se vincula con la otra y viceversa. Y es esta ultima naturaleza ( la subjetiva ) la que ha sido causa de cualquier tipo de discusión a lo largo de la historia del arte: ¿Es o no es valida una obra de Arte? ¿Cuándo vale y cuando no vale una obra como elemento Artistico o expresivo? Siempre esta apreciación será relativa a quien la percibe. O al menos así debería serlo. Nunca podremos considerar una obra como la obra perfecta que pueda afectar a todos, de hecho, por lo general no es su fin, un objetivo masivo. Y además ¿tiene que ver su validación con la aceptación de una mayoría? ¿Qué parámetros habrían de tomarse por tanto para considerar la obra como una obra validada y no una obra invisible, un traje invisible? Se dejaran estas cuestiones como objeto de estudio mas adelante pues no es ese el objetivo de este análisis. No es el fin de encontrar principios que puedan medir este valor de la obra, pues desde el momento en que su valor se convierte en un valor subjetivo, pierde todo parámetro de medición por medio de elementos físicos y materiales con los que podríamos cuantificar y debe estudiarse desde otra perspectiva dirigida a la apreciación antropológica y metafísica de la misma

Ahora bien, sí vale la pena entender las figuras del sastre, el rey y el adulador como referentes de la actividad artística y dentro de ella la percepción de la obra. El sastre como el pintor, el rey como el medio de propagación de la obra y al adulador como el observador. Y es curioso pero de los tres, es el adulador quien mas desvirtúa el proceso cíclico del quehacer artístico, pues mientras el sastre y el rey persiguen objetivos claros y definidos ( en el caso del sastre su objetivo es vender la obra, el del rey, mantener su status de dueño y regidor del conocimiento y la apreciación artística ) el adulador por el contrario, únicamente obedece a un instinto cobarde, negándose a si mismo su derecho a la real apreciación de la obra, en aras de no ser despreciado y juzgado por el rey. ¿Quién es el rey? Esta pregunto puede contestarse con otra pregunta, para que el lector saque sus conclusiones ¿Quién exhibe y califica la obra como buena? ¿Quién ha tomado el derecho de decidir que es bueno para que los demás lo acepten como tal?

El adulador o falso observador de la obra sufre de dos defectos. El primero, radica en su limitado criterio de apreciación (integrado por cualquier razón existente) y el cual no viene al caso para este análisis si es justificado o no lo es. El segundo es su cobardía de aceptar su condición de desconocer o sentir la obra que observa. La simpleza por ejemplo de relegar esta tarea al rey y convertirse en adulador, aceptando lo que este diga aunque no lo entienda. Por ejemplo gustar de Picasso y considerarlo un artista que le mueve los sentimientos. ¿A quien le importa si un artista es bueno o malo? Lo que vale es la experiencia del observador ante la obra. Y este observador debe ser sincero con su apreciación sin dejarse llevar por apreciaciones ya definidas con respecto de la obra, como si únicamente existiera una forma de visualizar una composición artística. ¿Cuánto se ha escrito de los artistas? ¿Quién tiene la razón? ¿Puede acaso una sola persona o grupo de personas “eruditas” adivinar todas las emociones que una obra causará en el observador? Por lo general un análisis de la obra, desde el momento en que se reconoce el valor subjetivo del arte, no puede acaparar la atención del medio en general, pues limitaría y estrecharía su libertad. Y su universo de expresiones desaparecería hasta convertirse en lo que únicamente termina convirtiéndose la obra, un cuadro en un museo o un dibujo en una postal.

No es nuevo notar que la apreciación artística se convierte en muchas ocasiones en un juego de adulación que poco tiene que ver con la verdad sensible que debe acompañar al acto de observación de la obra. A lo largo de la historia, el acto de crear y transformar por medio de la creatividad una idea para que se convierta en materia observable y apreciable, ha causado la admiración de muchos y se ha convertido en un símbolo de virtuosismo que provoca esta admiración, tanto a los que tienen la capacidad de comprenderlo, como a aquellos que no han educado su sensibilidad a este tipo de apreciación. Sin embargo, el halo de magnificencia que encierra el quehacer creativo, es perenne y claramente estereotipado.

Este contexto y universo que encierra todo el quehacer creativo ( desde la creación de la obra, hasta su exhibición y observación, pasando por todo el cúmulo de experiencias que el creador desarrolla para llevar a cabo la obra final) ha convertido para muchos el acto de apreciación de la obra en un deleite egocentrista de carácter vanidoso que los eleva a un estrato cultural ( no social ) en el cual pueden llenar vacíos interiores por medio de la aceptación y la auto aceptación de un grupo elite, como puede ser el grupo o la elite de los intelectuales. El único fin que busca este espectador, es el de alienarse a ese grupo de personas que llenarán su vanidad considerándolo conocedor del tema en cuestión. De esta forma, los personajes de la parábola se definen y entramos a observarlos para poder analizar de forma mas precisa, como y porqué cada uno es y que tiene que ver todo esto con la apreciación del arte.

Poco Arte para muchos Artistas o Mucho Arte para Nada

Viendo los periódicos o escuchando la radio a diario y considerando la magnitud y gravedad de las noticias, podemos percatarnos del poco espacio que la mayoría de los medios le dan, día a día a la parte del arte y la cultura. En el caso de la comunicación escrita, solo tres de los más importantes medios de prensa otorgan un espacio a esta actividad. En la radio podemos tener un poco más gracias a dos o tres emisoras que emiten segmentos culturales o tienen programación corrida con distintos temas de interés cultural y artístico. Sin embargo, no dejan de ser solo un breve, pero muy breve respiro que muchas veces queda ahogado y empañado ante la marejada de información comercial, superflua y sosa que a diario inunda a todos los medios. Tres paginas de cultura, contra 60 de asesinatos, desfalcos, desgracias y publicidad que a diario se muestra en los medios escritos. Si es con la radio igual. Tres estaciones sumergidas como islas en un mar de nada. Nada como nada puede ser el agua salada cuando con sed, lo que se busca es agua dulce. Algo que refresque. La pregunta que viene a mi cabeza es: ¿Realmente no es importante esto de la cultura? ¿Realmente no se esta haciendo nada interesante? ¿Por qué los medios de comunicación (entiéndase a estos como fuerza importante en la expresión de una sociedad en crecimiento) no le otorga un espacio mas amplio y variado a esta cuestión de la expresión artística en todos los ámbitos? Siempre el arte, en países o sociedades subdesarrolladas, si así nos gustara llamarnos, es ese exiliado apestoso y amado. Es esa cosa extraña que solo hacen los locos o raros. Los hippies o caitudos. Nadie vive del arte, y solo acuden a las presentaciones los cuates o familiares para apoyar al artista porque: “pobre, hay que hacerle la pala”. La respuesta que doy a las dos primeras preguntas que hice al inicio de este escrito es un Rotundo NO. Es decir:

¿Realmente no es importante esto de la cultura? SI ES IMPORTANTE. Es parte principal del crecimiento social de una sociedad. Del conocimiento antropológico de los individuos que forman una sociedad. Es el inicio de una actitud mas abierta a la expansión del espíritu versus el adormilamiento provocado por los engranajes de la rutina diaria. La cultura nos distingue de cualquier otro ser viviente sobre la tierra. (Esto sin desmeritar a ninguno). Y hacer cultura, hacer arte, pensar, interrogarnos, proponer, trabajar sobre la imaginación, la creatividad o la estética, nos muestra como seres que evolucionamos mas allá de las necesidades básicas de sobrevivencia. Seres que como comunidad, nos deleitamos de la cuestión de la vida. La apreciación y contemplación de la existencia en si misma, por si misma, y solo para si misma. Por el puro gusto de hacerlo. SI ES IMPORTANTE LA CULTURA. Y es importante propagarla. Y es importante que día a día, don cuento el panadero, don Jaime el administrador de empresas, dona Lucha que lleva a sus hijos al colegio, o el patas que maneja la camioneta y cualquier otra persona o tipo de persona vea a diario ese pensar. Que aprenda a contemplar. A deleitarse solo por el gusto de hacerlo, y no por que esta obedeciendo a un patrón de mercadeo que ya le vendió la salsa servida y gusta de comérsela viendo una novela o leyendo la extra.

La segunda pregunta es ¿Acaso no se esta haciendo nada de arte y cultura en Guatemala? SI SE ESTA HACIENDO. Y se esta haciendo mucho. Y es impresionante cuanto se esta haciendo. Y como es con todo, se hacen cosas buenas y también hay muchas cosas malas. Cosas muy buenas y cosas muy malas. Pero se hace. Y solo haciendo estaremos perfeccionándonos como artistas y como espectadores. Se hace de pintura, de literatura, de comics, de cine, de danza, de teatro, de música, de poesía, de canto, de moda. Se hacen eventos que impulsan actividades artísticas. Conferencias, presentaciones de libros, diálogos, seminarios, talleres, convocatorias, manifestaciones artísticas, conciertos, etc. Se hace mucho. Se hace en la capital, en los departamentos, en Atitlan, en Xela, en San Marcos, en Escuintla, en Huehuetenango, en Chiquimula, en Coban, etc. Y la pregunta es. ¿Por que no se nota? ¿Por que esa idea en el ambiente de que el arte no se apoya? Yo mismo, que busco todo tipo de evento y lo hago con todos los medios que tenga al alcance, no dejo de sentir muchas veces esa sensación de que el arte no importa en este país. O que a pocos les importa. Sin embargo, sé con toda certeza que no es así. Ahora que los cimientos empiezan a solidificarse, es el momento de empezar a distribuirlo y valorizarlo. Empecemos esta tarea con exigir arte. Arte en la arquitectura. Arte en la conversación. Arte en el urbanismo. Arte en el colegio. Arte en las universidades. Arte en cualquier actividad. Arte en la publicidad. Arte en la música. Arte en todo.

Y entiéndase Arte, como el gusto por la expresión creativa y limpia. Fresca y propositiva. Aquella que pueda oír el rico y el pobre. El tonto o el inteligente. El nadie y el importante. Arte como quien dice que estamos despiertos, o empezamos a despertar.

Sobre la Apreciacion del Arte

El Ciclo COOC

¿Somos todos capaces de hacer arte?, SI, ¿somos todos capaces de entender el arte? NO, ¿somos todos capaces de juzgar lo que si es arte y lo que no es arte? SI, El hacer artístico, es un acto que permite, por medio de la creación y la observación, materializar la sensibilidad ante el mundo y ante las emociones que este nos provoca, permitiendo que por medio de la observación de la obra, otros puedan participar de la sensibilidad que dio lugar a la obra creada.Así, por medio del arte, del arte como medio espiritual, puede permitir al ser humano